Corta-e-cola

Conheça Chad Vangaalen (pelas músicas e pelas animações)

2012-01-20T00:29:00.001-02:00

O músico canadense Chad Vangaalen mal sai da sua cidade natal, Calgary. Faz um som calmo, trabalhado, próximo ao de bandas como Fleet Foxes ou Iron & Wine. Atualmente pela Sub Pop, já conta com quatro discos no currículo (o último é de 2011). Mas o melhor de tudo é que além de músico ele também é ilustrador e animador, com um estilo talvez mais interessante que o musical.

Combinando as duas vocações (a musical e a visual) ele cria um outro universo, cheio de seres mágicos, natureza exuberante e seres coloridos (ecos de Avatar talvez?), que poderia muito bem lembrar o cartunista francês Moebius ou o animador japonês Hayao Miyazaki (de A Viagem de Chihiro e Ponyo - Uma Amizade que veio do Mar), dois gigantes das artes visuais.

Fiquem abaixo com alguns dos belos trabalhos do artista (no sentido mais amplo da palavra).

ps. Fica aqui o agradecimento ao amigo Luis Fernando que sempre ajuda esse blog com umas tantas belas dicas.

Parcerias com tiozinhos, para o bem e para o mal. (ou: sobre os melhores e piores de 2011)

2011-12-22T00:48:00.001-02:00

Eles lançaram um dos bons álbuns de 2011; fizeram um videoclipe com belas sacadas de edição e alguns vídeos legais para o La Blogothèque (aqui explicados em detalhes); e ainda encerraram o ano fazendo curadoria para a edição natalina do festival inglês ATP (ao lado das bandas Caribou e Les Savy Fav). E mais: os Battles conseguiram desenterrar o Gary "Cars" Numam para uma insólita parceria em uma das poucas faixas cantadas do novo álbum (mas que até acabou funcionando). Em outro belo videoclipe do grupo, vemos um plano-sequência trucado, com planos de câmera bem diferentes e situações meio surreais. Merece portanto nosso destaque (e nosso respeito) como das boas coisas que aconteceu neste 2011.

Nas ideias fracas e sem sentido de 2011 não resta outra a não ser o bizarro encontro entre o agora morto-vivo Lou Reed e uns também desenterrados Metallica. Como explica Lars Ulrich no vídeo abaixo, o projeto nasceu sabe Deus da onde e vai levar eles sabe-se lá para que infernos (e se ele não sabe o como, nós nos perguntamos o porquê). Ainda fica frizado com cara de bobo depois, para melhorar a explicação (aqui sim um acerto do editor do vídeo promocional).

Pior ainda é constatar que nem o genial Darren Aronofsky (diretor do Cisne Negro, que rendeu um Oscar a Natalie Portman esse ano), conseguiu ajudar alguma coisa no primeiro videoclipe oficial do projeto para a suposta melhor música do disco. Se no filme ele acertava, com diferentes sacadas de edição para apoiar uma atuação exemplar e uma história instigante (como falava outro post), aqui ele não gera nem muito ritmo, nem planos bem pensados ou bonitos (e ainda deixa o Lou Reed parecendo mais estranho do que já está). Uma lástima para encerrar o ano.

De qualquer modo, ficam aqui meus votos de felizes festas, comemorações e afins. Que 2012 nos surpreenda positivamente (e deixem os velhinhos músicos envelherecem em paz, por favor).

BORN RUFFIANS - Nova Leigh (ou: muitas ideias de edição em um só videoclipe)

2011-11-24T11:58:00.001-02:00

O começo tenta ser suave, tons neutros, quase sépia. Não usam cortes secos; ao invés disso, "esfumaçam" os cortes com fusões por cores, integradas aos planos, que mostram os detalhes dos instrumentos e escapam para os fundos.

Quando a música começa a "pegar", bateria entrando mais forte, cortes rápidos começam a aparecer e aí sim um corte seco transporta o espectador para outro plano, outra fotografia, outra ideia: enquanto um adolescente corre pelas ruas, takes da cidade entram em edição bem rápida -acompanhando a batida da bateria- e planos compostos (simulando mosaicos) da banda se misturam a tudo isso.

Do meio pro final vemos o elemento fantástico criado para o videoclipe: o que seria o rosto do adolescente é na verdade um mosaico de olhos, boca e nariz, composto estranhamente e bem integrado à imagem. A banda fala que para isso usou como referência o trabalho do artista Jeremy Olson, mais precisamente sua série de quadros. Lembra para mim (e lembrará claramente para qualquer apreciador de videoclipes) alguns trabalhos do inglês Chris Cunningham, neste caso muito menos perturbador.

O final do videoclipe é uma mistura de todas essas linguagens, acelerando o ritmo da edição até o plano final, onde acontece o que poderia ser encarado como o desfecho da história (e a composição e o efeito 3D estão aqui, mesmo que de forma mais simples, bem empregados).

Isso é o que se vê no videoclipe para a música Nova Leigh, destaque do segundo álbum da banda canadense Born Ruffians.

O videoclipe pode ser considerado um trailer para o trabalho musical da banda e as demais ideias artísticas que eles usam. Não só o tratamento empregado aqui em vídeo dialoga com a capa do disco (há ali o mesmo mosaico com partes do rosto), como a música também apresenta muitas nuances existente nas demais faixas (vai do calmo ao mais ritmado, mudando também de estilo).

A música no fim é a responsável por dar a unidade a todas essas ideias visuais e o resultado é positivo. O videoclipe pode ser também encarado como um manual de muitas ideias diferentes de edição e, só por isso, já merece o nosso respeito. Ponto para eles.

O meu melhor show do SWU!!! (ou: fazendo mágica com vídeos)

2011-11-16T22:15:00.001-02:00

Ok, fui só no domingo. Então Sonic Youth, Primus, Megadeth e Faith no More estão fora da disputa. E o melhor show do dia que eu vi acabou ganhando no WO, já que o Modest Mouse não apareceu por problemas logísticos (segundo a organização). Não falo da louca da Courtney Love, que entre um discurso, um desfile de moda e uma discussão de relacionamento (sem qualquer um dos respectivos) tocou uma música ou outra (tocou?); ou do Duran Duran, do Peter Gabriel ou da briga com o Ultraje a Rigor. O melhor show do dia aconteceu à tarde, ainda claro, no palco menor. O nome da banda? !!! ou Chk Chk Chk (como você achar melhor).

No show em questão o vocalista Nic Offer ofereceu ao público (trocadilho bilingue aqui) um show memorável. Não bastasse ter as melhores sequências de dança já vistas, ainda pulou do palco e se juntou ao público pelo menos umas quatro vezes (o vídeo feito para o show do SXSW mostra também essas duas características dele).

O grupo nova-iorquino faz um som alegre, dançante e despretencioso e já conta com quatro discos no currículo. E o melhor: sabem também fazer videoclipes. E com geniais truques de edição. Como no clipe para "Jamie, My Intentions are Bass" que você vê a seguir.

Truques de edição bem simples e bem compostos dão a graça da coisa. No vídeo de making of (também muito bem editado) eles mostram as ideias e a equipe por trás de tudo isso (educativo, inclusive).

E como se já não bastasse, deixo vocês com Nicasso, the Wonderful, vídeo que mostra que o vocalista, além de cantar, dançar e empolgar públicos de festivais mundo afora, também ataca de mágico (fazendo interessantes truques -aqui, de edição).

Batalha de bandas

2011-11-07T15:25:00.001-02:00

Vídeo bacana, animado de forma bem simples, que mostra uma batalha entre muitas capas de disco (a maioria dos anos 80/90). Não só a ideia é interessante e bem executada como vale para lembrar dessa saudosa época em que as capas de disco eram realmente importantes. Dali vinham, em muitos casos, todo o conceito visual das bandas, que demoravam muito para chegar em países como o nosso (se chegavam) e nem sempre tinham videoclipes de suas músicas (ou não tinham um canal muito apropriado para mostrar eles). Como é o caso dos Dead Kennedys, por exemplo, que através do famoso símbolo (que aparece no vídeo), ilustrou infinitos cadernos no meu colegial, tornando aulas de biologia muito mais prazerosas (ou menos tediantes).

Aí vai: (e vc, acha que faltou algum disco?)

E hoje é dia de... The Sea and Cake

2011-10-14T19:58:00.000-03:00

Expectativa para o show do The Sea and Cake, que logo mais toca no Sesc Pompéia, em São Paulo. Banda de Chicago que faz um som calmo e bem criativo. Já contam com oito álbuns no currículo (existem desde 94), todos muito acima da média. Everybody, álbum de 2007, é certamente um dos meus álbuns prediletos, destes que são bons do início ao fim (coisa rara nos dias de hoje).

Pros que não conhecem, abaixo um excelente videoclipe da banda, para a música Weekend, presente no último álbum, o Car Alarm, de 2008. O ritmo da edição e das imagens acompanha bem o ritmo da música, no geral lento mas também criativo. Imagens bem captadas, que até lembram o Suburbs do Arcade Fire, mas aqui, nada de exércitos, histórias mais complexas ou outras aplicações (como o média metragem que apareceu depois). Apenas o registro desses bonitos momentos da adolescência, ordinários e ao mesmo tempo cheios de significados.

Se os shows do OK GO, do Foals e do Metronomy, vinham depois de videoclipes meio malucos, cheios de ideias visuais e maiores produções, para o de hoje espero apenas um bom show, sem muita produção, mas com um belo conteúdo (como é o caso do videoclipe acima).

O caso Hadji Diouf. (ou: quando uma jogada ruim de futebol vira um criativo exercício de edição)

2011-10-10T23:22:00.000-03:00

A base: uma jogada ruim envolvendo um jogador ainda pior (ou: uma trombada meio bizarra envolvendo o jogador senegalês Hadji Diouf, famoso por cuspir em diversos adversários e torcedores -entre eles um menino de 11 anos- além de jogar futebol -na jogada em questão atuava pelos Glasgow Rangers).

O desafio: vendo o potencial divertido da jogada, um internauta limpou quadro a quadro a imagem, deixando só o jogador em questão e desafiou, em um fórum na Internet, as pessoas a bolarem possíveis explicações visuais do que poderia ter acontecido.

O resultado: centenas de gifs animados em que vemos diferentes manipulações dessa imagem, envolvendo em sua maioria referências a videogames e filmes, em um exercício extremamente divertido (e criativo). Abaixo uma compilação de muitos deles.

Mais um bom exemplo de manipulação feita em pós-produção, usando um software muito simples (o Photoshop), em que vemos que mais legal do que produzir, muitas vezes pode ser manipular.

Lembra a manipulação feita em photoshop para os Thundercats (que você viu AQUI). E para mim tem também bastante relação com o tipo de montagem feito no excelente Scott Pilgrim Contra o Mundo, que usava muitos elementos de jogos de videogame interagindo com a ação filmada (ideia já presente nos quadrinhos), como você viu AQUI.

"Premonição 5": um novo clássico

2011-09-23T11:35:00.000-03:00

Existe o cinema de roteirista (cujo auge podemos dizer que foi nos anos 50 e 60, através de figuras como Billy Wilder, por exemplo); existe o cinema de diretor (anos 70 e 80, Truffaut e Godard de um lado, Coppola e Kubrick do outro); e existe o cinema de produtores. Nessa última categoria estão boa parte das séries que não ficam só numa trilogia, os filmes de adolescente, comédias pastelão e comédias românticas, filmes de terror e suspenses baratos, aventuras e filmes de perseguições em geral, animações infantis, filmes do universo HQ, adaptações de videogames e remakes de todo e qualquer filme que tenha feito sucesso no passado e você ainda se lembre (o caso mais ridículo me parece o próximo filme a ser lançado do Homem-Aranha). Ah, e claro: quase todos os filmes em 3D (não se engane, isso acontece desde os anos 50).

Essa pitoresca categoria tem suas famosas características:

1. visa o lucro (acima de tudo);

2. Procura sempre criar uma marca, gerando novas possibilidades de continuação (e remake) - e claro, mais lucro;

3. não precisa ser lá muito inteligente, nem inovar em muitos aspectos, nem ter diretores e roteiristas conhecidos;

4. Sendo assim, opta pelo roteiro manjado, de estrutura clássica, previsível e com final feliz (que não precisa ser necessariamente coerente; precisa ser FELIZ);

5. Tem um ritmo específico, edição a serviço da história, invisível, sem divisões de tela (a não ser que alguém fale ao telefone) ou cortes inovadores ou extremamente rápidos (o que também faz parte do 3D, que é para não convulsionar ninguém);

6. Pode ser de alto (ou altíssimo) orçamento, desde que vise um faturamento maior ainda (afinal, é de produtores que se trata);

7. Costumam ter caras conhecidas (quase sempre "A" mais conhecida - ou que ganha mais no mercado);

8. É preferível que estejam atrelados a outras possibilidades mercadológicas (se não vende boneco, dá para um videogame, uma série animada na TV ou mesmo alguns tantos comentários em comunidades do facebook);

9. Não, festivais nem morto, não ganhará nada mesmo. No máximo uma Comic-con (ainda assim com receio de que receba mais críticas que elogios);

10. Até porque, o filme deve sair o quanto antes das salas de cinema (a não ser que as pessoas queiram ver o filme mais de uma vez e vire cult) para dar espaço ao que vem depois (e que eles acham até mais legal): os dvds blu-ray com milhões de extras, os canais de tv a cabo, exibições em aviões, pay-per-view, etc.

Tudo isso para falar que hoje (dia 23 de setembro) estreia um (novo) clássico do gênero: Premonição 5. Ah, e em 3D.

Tem quase tudo isso aí em cima. Com algumas diferenças. A principal delas: ao contrário da maioria das comédias românticas e filmes de terror (já que é disso que se trata), ele é genial. Eis os motivos:

1. Consegue ser genial mesmo sendo o quinto filme da série e repetindo pela quinta vez a mesma fórmula, com todos os pequenos detalhes criados por ela (à exaustão).

2. Além disso, o filme não conta com nenhum ator famoso (boa parte dos atores vieram de series televisas e -quem já viu um filme da série vai entender- logicamente não estavam em nenhum Premonição anterior).

3. É dirigido por um estreante; Steven Quale é um expert de 3D, trabalha faz tempo com James Cameron, mas nem tem uma biografia ou foto no imdb (ainda).

4. (aqui o melhor) Você já entra na sala de cinema sabendo como ele vai começar, desenvolver e concluir (como em toda comédia romântica) mas aqui, essa é justamente a graça da coisa. Mais do que saber se a mocinha vai morrer ou não no final ou quem é o responsável pelas mortes (tentando atribui algum sentido), aqui você quer saber (como em todos os filmes anteriores da série) COMO eles vão morrer (e muito dessa lógica é puro nonsense).

5. São de fato as mortes mais elaboradas (e criativas) da história do cinema e você vê ao vivo, sem recriações posteriores em flashbacks feitas pelos legistas (que é a lógica televisiva atual, de séries como CSI ou Dexter).

6. Para melhorar: é em 3D (sério). É provavelmente o melhor uso já feito para o 3D. Ao invés de ver um alien gigante dançar para uma árvore ou um escandinavo genérico (que pensa ser de outro planeta) jogar um martelo de um lado a outro, juro que prefiro ver uma morte divertida (se isso for possível), pulando sangue, miolos e tripas em direção aos meus óculos (acaba sendo mesmo divertido no final das contas).

É pura diversão (e nisso nossos amigos produtores merecem todo o crédito). E o melhor: criaram um filme para se ver NO CINEMA. Rindo, gritando e se divertindo junto com todos os outros pirados devoradores de pipoca, que não conseguirão falar nada dessa vez que consiga estragar o seu prazer de ver o filme. Críticos vão dar no máximo duas estrelas (o que é inclusive coerente), mas que não tiram de nenhum modo o prazer de ver o filme. É diversão honesta, que entrega exatamente o que propõe (pelo menos dessa vez).

Um adendo: não sei se para fazer a promoção do filme ou para garantir apenas a diversão deles mesmos, Miles Fisher, um dos principais atores do filme (o que parece o Tom Cruise), publicou no Youtube um vídeo que ele também escreveu (além de atuar). Traz a lógica do filme para o que poderia ser um estúpido episódio de série de escola infantil, com músicas e tudo isso, visual meio anos 80, contando com todo o elenco do filme e mortes também elaboradas e criativas. Aí vai:

E hoje é dia de... Foals!

2011-09-21T16:35:00.001-03:00

Logo mais toca em São Paulo os Foals. Ninguém tá dando muita bola, já que vão abrir pros Red Hot Chili Peppers, mas é certamente uma das melhores coisas a aparecer na música nos últimos anos. Som inteligente, indie rock dançante bem trabalhado que também vai na onda do math rock (mas sem ser tão cabeçudo quanto os Battles). Tocaram no Planeta Terra faz uns 3 anos e agora voltam com um segundo disco a um espaço bem maior (mas ainda como show de abertura).

Uma das coisas que acho bacana na banda (e por isso merece destaque nesse blog) é como eles conseguem trazer essa lógica algo matemática da música para os videoclipes, o que acaba sendo representado principalmente através do uso da edição. Cortes bem rápidos acompanhando a música, manipulações da velocidade, misturas de linguagens e um bom uso dos estúdios, seja simplesmente com a banda tocando ou fazendo umas tantas ações esquisitas (como os muitos corações da ótima Cassius). Os videoclipes acabam tendo sempre essa mesma lógica também por terem sido dirigidos pelo tal Dave Ma, que é um antigo amigo da banda (com exceção do primeiro abaixo, Hummer, que foi dirigido por Ollie Evans).

Em tempo: Já que hoje também é dia de Red Hot Chili Peppers, fica aqui também a lembrança DESTE VIDEOCLIPE, certamente um dos mais importantes da história dos videoclipes (e que marcou -e muito- minha adolescência).

Hoje tem Metronomy

2011-08-31T14:58:00.006-03:00

Pros que moram em São Paulo e conseguiram o (concorrido) ingresso, hoje tem show do Metronomy no Beco 203. Som inteligente e simpático, rock alternativo com eletrônico e umas outras tantas coisas na mistura. Projeto do tal Joseph Mount que lançou o terceiro álbum este ano com um integrante a menos e dois a mais (entrou a bela Anna Prior na bateria e Gbenga Adelekan no baixo; Oscar Cash contina na guitarra). Mas certamente a coisa mais genial em relação à banda são os videoclipes. Desses que, assim como faz o OK GO, acabam virando uma perfeita visualização para a música e fique com ela associada para sempre (você escuta a música, lembra deles na hora).

Para mim, de todos, o melhor é ainda o videoclipe para a música A Thing For Me, do segundo álbum (com a antiga formação, portanto). Uma bela brincadeira com a tal da bolinha do Karaokê, com umas tantas sacadas de edição e bons trocadalhos visuais em cima da letra da música. Vejam abaixo.

Todos os outros videoclipes também são bem bons (vai por mim), com destaque para os do último disco: The Bay (também com umas boas ideias de edição); The Look (com uma boa e simples animação em stop-motion); e She Wants (mais um desses que vai de trás para a frente, só que muito bem realizado).

Agora é ver como que tudo isso é feito no show, ao vivo. A expectativa é boa.

A música do Noah and the Whale. Os filmes do Wes Anderson.

2011-08-22T17:14:00.010-03:00

Visual dos anos 70. Música com ukelelê e assobios. Letterings em planos com enquadramentos diferentes. Divisões de telas. Figurino retrô - estilo nerd com uniforme do colégio. O videoclipe da música 5 years time da banda inglesa Noah and the Whale tem tudo isso aí, em uma clara homenagem ao universo cinematográfico de Wes Anderson (é certamente a melhor homenagem ao diretor em videoclipes, além de ser também um bom exercício de edição). Veja abaixo.

Noah and the Whale | Myspace Music Videos

A homenagem ao Wes Anderson é justificada: o nome Noah and the Whale vem da junção do nome de Noah Baumbach com The Squid and the Whale. Explico: A Lula e a Baleia (nome em português) é um filme alternativo de 2006 escrito e dirigido pelo tal Noah Baumbach, que teve inclusive uma indicação ao Oscar de roteiro. O filme tem as boas atuações de Jeff Daniels (de Débi & Lóide?), Laura Linney (de The Big C), Jesse Eisenberg (de A Rede Social) e Anna Paquin (de True Blood) e o melhor (para os amantes da boa música): trilha sonora da dupla Dean & Britta (ex-Luna e Galaxie 500), que passaram recentemente pelo Sesc Pompéia de São Paulo, em boa apresentação. Como roteirista, Noah também assina O Fantástico Senhor Raposo (2009) e A Vida Marinha de Steve Zissou (2004), dois importantes (e geniais) filmes do Wes Anderson (que produziu o A Lula e a Baleia; os dois são da mesma ceninha, portanto).

A música do videoclipe faz parte do primeiro álbum, o Peaceful, the World Lays Me Down, de 2008, e é o hit que lançou a banda, colocando eles nos 10 mais vendidos das paradas inglesas. De lá para cá, a Laura Marling (que aparece no videoclipe) saiu e terminou o namoro com o cara, lançando uma boa carreira solo; e eles se levaram mais a sério, lançaram videoclipes mais produzidos e ficaram, por conta de tudo disso, mais chatos; como no videoclipe de Life is Life (música que abre o terceiro álbum, o tal Last Night On Earth) em que vemos algo como se fosse o Mika invadir o Suburbs do Arcade Fire com o elenco do Glee (clique AQUI para vê-lo no blog amigo Musicapavê).

Impressão Digital (dos filmes) - por Domênica Mantel

2011-08-19T15:07:00.014-03:00

A trilha sonora do Tubarão do Spielberg. Os créditos de qualquer filme do Woody Allen. A cena clássica do chuveiro de Psicose do Hitchcock. Todas essas características, são marcas registradas dessas obras e do nosso imaginário comum. Mas o designer Frederic Brodbeck levou o conceito além e criou o Cinemetrics, um projeto que sintetiza em forma de representação gráfica a essência dos filmes, formando um tipo de impressão digital para eles. Para isso ele monta uma estrutura em forma de espiral na qual imprime ao mesmo tempo elementos como montagem, cor, intensidade de diálogos, e cria uma forma diferente de comparativo entre obras de um mesmo diretor como Wes Anderson ou entre refilmagens como o “Solaris” de Steven Soderbergh e o original de Andrey Tarkovskiy. Eu sei, parece confuso, mas o video é autoexplicativo e bem bom:

Descobri o rapaz por meio do Brainstorm e ao pesquisar seus trabalhos notei que essa opção por informações altamente concentradas é uma marca em seus projetos. Exemplo disso é o “Movie Core”que traduz filmes em imagens “esculturais” como estas aqui de “Os Excêntricos Tenenbaums”:

Ou este clipe, digamos que minimalista, da música “Buddy Bradley” do Adam Green:

Poder de síntese não é pra qualquer um. Vale a pena conhecer o artista. Bora lá? http://www.fredericbrodbeck.de/

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Essa é a primeira contribuição de Domênica Mantel para o blog. Formada em cinema e roteirista em tempo integral, é também interessada por tudo o que acontece no mundo dos filmes e na televisão. Já destrinchou House (você pode ler textos caprichados sobre TODO e QUALQUER episódio da sétima temporada no blog Sobretv.net) e mantém outras divagações no blog Tudo Fundido (também trocadilheiro, olha só). Vale a visita. Siga também em: @Dodomlyns

Good (o novo videoclipe dos Dodos)

2011-08-17T15:00:00.014-03:00

Saiu um novo videoclipe dos Dodos (minha banda favorita dos últimos 5 anos). Desta vez para a música Good (coerente, inclusive). Videoclipe rápido, minimalista, em preto-e-branco, com poucos elementos visuais. Como é afinal a música dos caras (o que é também coerente); basta ver que a banda são só esses dois caras, uma guitarra e uma bateria bem básica (mas que sabem jogar muito bem com essas duas coisas). E se o efeito da água é manjado e já foi usado por milhões de canais de tv, principalmente como elemento para a videografia, nenhum desses tinha usado com uma música bacana como essa (morte às mesmas trilhas-brancas de todos os canais, inclusive).

Aí vai. Aproveite.

Esse preto-e-branco, poucos elementos gráficos, me lembraram inclusive a arte do (ótimo) Let England Shake, último álbum da PJ Harvey (certamente um dos destaques deste 2011). No lugar de milhões de efeitos e cores, poucos e expressivos elementos como já também entregavam os Dodos no título do último álbum: No Color.

Coma, Aprenda e se Movimente (com 3 vídeos)

2011-08-08T16:16:00.007-03:00

Não é Comer, Rezar, Amar. Mas quase. EAT, LEARN e MOVE são três vídeos curtos feitos por 3 caras australianos que rodaram o mundo em 44 dias, passando por 11 países - e agora deixam os registros do que viram por aí. Os vídeos tem imagens bem bacanas; ideias de edição e composição interessantes (que mais tem a ver com a captação que fizeram do que com truques de pós-produção); temáticas e ritmos acessíveis a todo mundo (o que certamente encanta desde o adolescente sonhador ao tiozão adorador de mensagens fofas feitas no powerpoint); um sujeito com cara de bom moço; e uma música enjoativa que só (não?).

O primeiro deles é o MOVE, que ilustra bem os diferentes lugares que eles passaram através de boas sacadas de captação e edição.

MOVE from Rick Mereki on Vimeo.

EAT tem também boas ideias gráficas (já usadas em publicidades, devo dizer). Acaba virando meio wannabe de Jamie Oliver, não acham? Já vejo um programa desse cara no Discovery Travel & Living...

EAT from Rick Mereki on Vimeo.

E o terceiro e último vídeo é o LEARN. Tem boas imagens mas não tem lá muitas sacadas de edição; e essa musiquinha já começa a dar nos nervos, ficando ppt demais pro meu gosto.

LEARN from Rick Mereki on Vimeo.

De qualquer modo os vídeos são bons exercícios audiovisuais, foram bem executados e conseguem passar uma mensagem simples para TODO mundo. Tanto é que eles já conseguiram 3 milhões de visualizações em apenas 5 dias (nada mal, não?).

Fazendo imagens com vídeos dos outros (ou: generative video painting)

2011-07-21T21:30:00.010-03:00

No melhor estilo corta-e-cola, o artista espanhol Sergio Albiac monta imagens artísticas usando pedaços de vídeos de outras pessoas. Ele montou o que ele mesmo chama de generative video painting ou, em espanhol, pintura video generativa. Circulando por diferentes áreas artísticas e usando o computador como ponto-de-partida, chega a resultados interessantes e bastante inovadores. Na sua página, fala mais sobre como vê o processo de criação:

Meu processo de criação habitual se caracteriza por escrever programas de computador que gerem imagens. Uma vez que a idea se transforme em código de computador, busco e seleciono os resultados visuais que melhor expressem meu tema. Às vezes, essas imagens geradas são o trabalho final e em outras, utilizo os programas como uma espécie de caderno de rascunho para visualizar os conceitos antes de pintar um quadro. Como dou muito valor à liberdade de expressão artística, não me sinto obrigado a me limitar a um único meio ou estilo. Por isso utilizo meios tradicionais ou "new media" para expressar minha visão artística.

O método de pintura gerada por vídeos, que ele criou, consiste em se apropriar de muitos trechos diferentes de vídeos disponíveis no Youtube e combiná-los, como se fossem códigos de computador, para chegar a uma imagem específica. O resultado pode lembrar a fragmentação do cubismo ou o sentido simbólico da pop art.

Veja abaixo as duas imagens criadas até hoje por ele, que usam vídeos genéricos ou sem muita importância (são os vídeos mais populares do Youtube em um dado momento) para criar a imagem da rainha da Inglaterra e da Marilyn Monroe (o que lembra as imagens de Andy Warhol). Para formar a imagem de forma mais clara, abstraindo um pouco mais os detalhes em vídeo, recomendo fechar os olhos, deixando uma pequena fresta, ou afastar bastante do monitor. O exercício de perceber uma coisa ou outra é bem interessante.

Me parece especialmente interessante as possibilidades e o alcance que o experimento pode gerar. Usando pequenos pedaços de diferentes vídeos, você está dando destaque não só à imagem final como também a esses pequenos pedaços, muitas vezes identificáveis. Ele descreve e valoriza a ideia de que ele utiliza o banal para criar algo majestoso (o vídeo genérico do Youtube criando a imagem da Rainha da Inglaterra, por exemplo). Jogando com essas variáveis ele poderia ser ainda mais provocativo (efetivo?) se, por exemplo, usasse vídeos pornôs, imagens de violência, símbolos do punk (que já atacaram a imagem da rainha) ou qualquer coisa do tipo para criar a mesma imagem. Acaba fazendo nos dois casos uma composição mais cromática que poderia ser também política. Mas abre todas essas possibilidades em um exercício de bom resultado, que brinca com edição de vídeo, que é a graça da coisa.

Ps. O blog Musicapavê, amigo deste, também fez um post recentemente falando sobre artes feitas com composições de imagens e objetos, relacionadas ao universo musical. Cita ali também Andy Warhol e mais: Vik Muniz, Mr Brainwash (do genial documentário Exit Through The Gift Shop) e Sandhi Schimmel (clique AQUI para ler). Depois de ver os dois casos, é interessante imaginar como ficariam as imagens mostradas ali, feitas com a lógica de vídeo do Sergio Albiac, não acham?

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Atualizado em 22/07

Perguntei para o Sergio Albiac no Vimeo o que ele pensaria sobre usar um mesmo tipo de vídeo como base para as imagens. Eis a resposta:

"Muito obrigado Ricardo. Tengo control total de los videos que elijo, no tanto de las secuencias que se utilizan. En este caso, los videos populares de internet de un instante dado eran adecuados para el significado que buscaba. Otros videos de origen conllevarían otros significados - como los que apuntas tu. Y sí, sería provocativo, como ha explorado Jonathan Yeo en sus collages, por ejemplo"

Sim, o que eu pensava era mesmo parecido com o trabalho do tal Jonathan Yeo, que eu não conhecia (obrigado, Sergio). A coleção Porn in the USA é exatamente isso. Clique AQUI para ver as obras na página oficial dele. Recomendo!

Ida Maria e Cults: Oh my god!

2011-07-12T21:22:00.005-03:00

Ida Maria e Cults

Mais um videoclipe para a série "grave qualquer coisa e depois tente criar um videoclipe bacana na edição". É o que faz a norueguesa Ida Maria (que apesar de nova sempre me lembra os nomes de duas avós que fazem parte da minha família) para o videoclipe Oh My God. É só a banda tocando, em um espaço genérico. Mas o videoclipe tem umas tantas sacadas de edição, que fazem a graça da coisa. Saca só.

Oh my god é também o nome de uma música dos Cults, banda novaiorquina que lançou não faz muito tempo seu primeiro álbum e já chama alguma atenção (não confundir com o gótico e oitenteiro The Cult). A música faz parte do Adult Swim Singles Program, que disponibiliza para download uma música por semana de artistas alternativos, patrocinado pela Kia, associado à franquia do Cartoon Network (você pode baixar música e disco no canal deles). O programa também é responsável pelo videoclipe, simples mas interessante (alguns poderiam dizer que é fofo), mas sem lá muitas ideias interessantes em relação à edição.

Outro clipe dos Cults já tem ideias mais interessantes de edição e é feito com uma produção mais elaborada: o vídeo para a música Abducted, primeira faixa do disco, mistura situações surreais, composições simples de imagens e temática próxima ao universo de David Lynch - estradas, personagens e situações estranhas, neblinas, alusões a sonhos, morte, etc.

Lembra também o videoclipe do The Dodos para a música Companions (que você viu AQUI). Confira abaixo.

O filme do Gainsbourg, Joann Sfar e porquê os cartunistas um dia revolucionarão o cinema

2011-07-04T21:45:00.010-03:00

Estreia nesta sexta-feira o filme "Gainsbourg - O Homem que amava as Mulheres", dirigido pelo cartunista Joann Sfar. Antes de tudo uma ressalva: me parece descabido (como sempre acontece) a tradução do título. No lugar de vida heróica colocaram o homem que amava as mulheres, emprestando o título do filme do Truffaut de 1977 para ampliar o apelo sexual que o filme tem, contando que a estratégia pode garantir mais entradas (e mais dinheiro). Sai o herói, entra o mulherengo. Sai o cartunista e músico de sucesso, com carreira brilhante, entra o cara (sortudo) que ficou com duas das mais belas mulheres da história recente: Brigitte Bardot e Jane Birkin.

Pois é com maestria que Joann Sfar, em sua estreia cinematográfica, consegue retratar todos esses lados da mesma pessoa, de forma leve, descontraída, sem se levar muito a sério (o que tem a ver, penso, com o jeito como Gainsbourg encarava todas as coisas). Não é a história oficial e verdadeira de Gainsbourg (como o diretor faz questão de anunciar no filme), senão uma interpretação livre e criativa de algumas das histórias relacionadas a ele, "um dos maiores artistas do século XX, que reinventou a música e o amor", como descreve o (belo) trailer.

Mas onde o filme mais acerta (pode deixar, sem spoilers aqui) é na mistura de linguagens e no uso criativo de muitos elementos narrativos. É como se o Gainsbourg pessoa fosse evoluindo junto ao Gainsbourg personagem, dialogando ação e imaginação durante todo o filme.

Isso acontece porque Sfar é um cara de imagens (é cartunista) e sabe dos potenciais narrativos na hora de contar uma história (em um e outro meio). Vai inclusive pelo caminho inverso da maioria das histórias baseadas em HQs: se a franquia X-Men se esforça mais a cada filme em parecer real e verossímil (o que fica ainda mais claro com esse First Class), usando os efeitos para provar o que só existia na nossa imaginação, no filme de Gainsbourg, efeitos, animação e uso de marionetes estão ali para sugerir, fantasiar e dialogar com a história que está sendo contada, ampliando seu potencial narrativo. Em um texto extremamente interessante de seu blog Sfar comenta seu processo criativo, mostrando como as duas coisas, ilustração e texto, quadrinhos e cinema, estão associados no seu trabalho (e como acaba usando um, mesmo quando está fazendo o outro). Como na frase (o blog está todo em francês e inglês):

"I also like this eternal feedback loop when shooting the movie, when I go back to my water-colours and draw a live actor being an imaginary character. (...) Building a narrative by opposing drawings and actor’s words, by making them dance together, is an inexhaustible source of inspiration."
(Trad.: Eu sempre gosto deste eterno vai-e-vem quando dirijo um filme, quando eu volto para a pintura e desenho um ator sendo um personagem imaginário. (...) Construir uma narrativa opondo desenhos e palavras dos atores, fazendo com que elas dancem ao mesmo tempo, é uma inesgotável fonte de inspiração)

Não por acaso seu novo filme (que estreou agora na França) é o desenvolvimento de uma das suas obras mais famosas. Desenvolvimento, já que: "I hate those stupid ideas like 'a movie based on a comic album'. When you create both yourself, it’s the same work." (trad.: Odeio estas ideias estúpidas como 'um filme baseado numa HQ'. Quando você cria as duas coisas, é o mesmo trabalho.") Le chat du Rabbin (ou o gato do rabino) é uma historia que ele começou em 2002 e que agora chega aos cinemas com o mesmo traço característico. Abaixo o trailer (em francês).

Acho (ou torço para) que um dia o futuro do cinema pode vir também desses caras (me interessa especialmente esses casos); de pessoas que pensem o cinema de forma mais ampla, que misturem linguagens, que joguem com novos elementos, que misturem realidade, imaginação, sonho, etc. de forma que faça sentido (ou que seja ao menos atraente) e/ou fique visualmente interessante. As histórias em quadrinho jogam há muito tempo com algumas dessas ideias (falei mais disso aqui); é ver quando elas podem também chegar ao cinema de forma mais efetiva. O filme do Gainsbourg já é um desses exemplos. Fico imaginando o que Laerte, Angeli, Adão e Gonsales e, na América Latina, Quino, Liniers e Montt, para citar só alguns, poderiam contribuir ao nosso irregular (e às vezes pouco criativo) cinema.

Battles (em uns tantos vídeos geniais)

2011-06-22T17:45:00.011-03:00

O Battles é dessas bandas que de tão cabeçudas ficam até difíceis de escutar. Poderia ser classificado como post-rock (já que lembra outras bandas como Explosions in the Sky e Toe) ou como math-rock (o que acho mais adequado na verdade, já que a estrutura do som dos caras parece mesmo matemática). Acaba sendo difícil pegar um CD e escutar de cabo a rabo mas, por outro lado, ver os vídeos para as músicas deles é extremamente interessante. Eles já tinham lançado videoclipes no primeiro álbum, para as músicas Atlas (em que se apresentam em um gigante cubo de vidro) e Tonto (em que jogam bastante com luzes). Agora lançam o segundo álbum e fazem vídeos bem diferentes para promover (seria mais ilustrar) as músicas.

O primeiro, o videoclipe para a música Ice Cream é mais uma das pirações de edição que funciona (e que gostamos). Ali vemos quase tudo: alterações de cor; imagens sobrepostas trucadas (a menina repetida em quadro); jogo de máscaras (a banda recortada misturada com outras ações); muitos takes em meia-fusão (e o take do mergulhador no bikini é sensacional); entre tantos outros. Foi feito pela produtora catalã CANADA (vai entender...) que já tinha feito o videoclipe para o também espanhol El Guincho (e aqui também abusou das mulheres lambendo coisas esquisitas, como você viu aqui). Confira abaixo.

E aqui vemos a ideia da banda sobre a música (que não é nada demais) e um saboroso (já que a música trata de sorvetes) making of do videoclipe, gravado com a Canon 7D.

Aproveitando o bom momento, eles fizeram uma genial apresentação para os franceses do La Blogothèque (certamente a melhor coisa a aparecer na música dos últimos 10 anos) em um lugar incrível: em um dos salões da prefeitura de Paris. Famosos por fazerem sempre vídeos em plano-sequência, uma só câmera, som direto, dessa vez o blog resolveu situá-los em um lugar diferente e gravar com cinco câmeras (o que possibilita umas tantas manipulações em edição). Vejam abaixo as duas músicas gravadas por eles. Bom, não?

tUnE-yArDs e a lógica Corta-e-Cola... na música!

2011-06-13T19:40:00.007-03:00

O tUnE-yArDs (pior é que se escreve assim mesmo) é uma das mellhores descobertas musicais dos últimos tempos. O projeto (quase) solo da tal Merrill Garbus, de gênero meio indefinido (o allmusic define como folk lo-fi experimental), faz uma colagem de sons como eu nunca tinha visto. E melhor, faz isso ao vivo.

Nas gravações do disco e nas apresentações ao vivo (como a que você verá abaixo) ela conta com a participação de dois saxofonistas e um baixista (formação incomum, inclusive); e ela se encarrega de todo o resto. Isso quer dizer fazer toda a percussão (em cima de poucos instrumentos), cantar (e no caso dela é algo bem mais complexo - além de meio esquisito) e tocar um ukelelê. Complexo porque a música dela é feita na melhor lógica corta-e-cola: o que é cantado ou tocado uma vez vira um looping (com ajuda de pedaleiras), que vai se somando às outras camadas, criando a interessante mistura dela (que ela mesmo define como cut and paste patchwork). Na música abaixo, aí pro final dela, temos a combinação de umas quatro camadas de looping do vocal, umas três da bateria e mais o vocal e o ukelelê dela mesmo, que aí sim vai fazendo na hora. É quase trazer a lógica da música eletrônica para o que entendemos como tradicional, compondo à medida que toca. Confira.

Depois de outra música da mesma apresentação da rádio ela fala um pouco mais sobre o conceito das montagens. Aqui vai música e entrevista.

E ela já lançou um videoclipe, que também tem suas boas sacadas de edição, para a música Bizness (a primeira aí de cima).

Para mais duas músicas da apresentação da rádio, clique aí: Doorstep e You Yes You. Genial, não?

Broken Social Scene vai de Dexter

2011-06-09T21:44:00.006-03:00

Ansioso para ver mais pessoas sendo mutiladas e mortas, assassinatos casuais com toques familiares? Pois para os "órfãos" da série, eis um videoclipe que serve perfeitamente para "matar" a saudade, enquanto a sexta temporada não vem.

O responsável por esta atrocidade é o grupo super-povoado canadense Social Broken Scene (os televisivos acima) e a música se chama Sweetest Kill, do último álbum deles, o Forgiveness Rock Record (do ano passado). O clipe saiu esta semana e mostra a bela Bijou Phillips (que já atuou em filmes como Quase Famosos) envenenando e fazendo picadinho do namorado (e não estou usando metáforas aqui). Veja abaixo.

Matador o videoclipe, não? Já Dexter deve estrear somente no final do ano (já que recomeçaram as gravações não faz muito tempo) e contará com os convidados Edward James Olmos (da série Battlestar Galactica), Colin Hanks (de O.C.) e o rapper Mos Def (do divertido Rebobine, por favor). É esperar para ver.

(Se você é fã de Dexter vai gostar de ler isso AQUI também).

Buraka Som Sistema, truques de montagem e BaBaBaBaBaBaBaBa.

2011-06-06T21:37:00.006-03:00

so.. everytime we say Hangover.. some asshole reply's something about the movie? #fuckhangover2#it'snotevenfunny

A frase acima é do twitter dos Buraka Som Sistema, representantes máximo do kuduro português que acabam de lançar um videoclipe para a música Hangover (BaBaBa) (certamente melhor que o filme de mesmo nome que chega aos cinemas brasileiros em sua segunda parte). Confiram.

Não é genial que quase todos os takes estejam manipulados de alguma forma? Truques simples de edição, principalmente na cor e na manipulação da velocidade, que criam um ritmo interessante (coerentes ao ritmo da música) em cima de takes bem simples e próximos ao universo da banda (parece que o videoclipe foi gravado em Angola, de onde eles tiraram a inspiração; e o BaBaBa do refrão). Valeria destacar só por aquele bonito take do mergulho na favela do início (o efeito mais elaborado do videoclipe, talvez, e ainda assim de fácil realização).

Para saber mais sobre o método de composição da banda, conhecer o Buda da Bigodaça e até ver um rápido take da participação do sepultura Igor Cavalera na gravação do álbum, confiram o vídeo abaixo. (Esse já não é tão bem editado e nem muito interessante, mas tem o Buda da Bigodaça, o que mais vocês precisam?)

Ps. Se você ainda assim quiser saber mais sobre a música, recomendo a "interessante" entrevista que o MC Nakobeta, responsável pelo refrão da música, deu em uma rádio angolana. "ENTREVISTADOR: MC Kakobeta, tens algo a dizer?" "MC NAKOBETA: BaBaBaBaBaBA"

The Dodos

2011-05-25T15:38:00.005-03:00

Saiu essa semana um videoclipe novo dos Dodos para a música Companions, do excelente álbum lançado esse ano por eles (chamado No Color). Videoclipe com belíssima fotografia, uma idéia meio bizarra e um bom (e rápido) truque de edição, que muda o rumo da "narrativa" e dá a graça da coisa. Confiram o resultado abaixo.

Os Dodos são, na minha opinião, a melhor banda a aparecer nos últimos cinco anos e uma das poucas a passar dignamente no teste do terceiro álbum (nem Strokes conseguiu). O videoclipe acima é o mais "interpretado" e bem produzido deles. Os anteriores são mais manipulações de materiais gravados ao vivo ou em estúdio. O que não deixa de ter sua graça também, como nos videoclipes de Fools e Fables, por exemplo, duas das melhores músicas da banda (uma de cada álbum anterior). O primeiro tem lá suas idéias de edição e o segundo, mesmo gravando em estúdio, consegue gerar um visual interessante com os papéis picados (no final). Valem também para conhecer mais como a banda toca e algumas características do som deles, como o pandeiro que o baterista usa preso ao tênis. Confiram abaixo.

Cannes, A Árvore da Vida, montadores e Daniel Rezende

2011-05-23T23:57:00.006-03:00

O vencedor da Palma de Ouro em Cannes esse ano foi A Árvore da Vida, último filme de Terrence Malick. O filme americano conta com as participações de Brad Pitt e Sean Penn e é descrito como um drama com elementos surreais e influência da ficção científica (o que pelo visto poderia ser também dito do Melancolia do Lars Von Trier, filme que mais chamou atenção nesta edição do Festival - graças a polêmicas declarações do diretor - e rendeu prêmio de melhor atriz a Kirsten "Mary Jane" Dunst). Confira o trailer do filme abaixo (o de Melancolia você já viu aqui).

O que me chamou atenção em relação ao filme vencedor (e é especialmente importante para este blog) são os nomes que assinam a montagem do filme. São cinco pessoas no total (não consegui descobrir qual o papel de cada um deles): um tal Mark Yoshikawa; Billy Weber, montador de clássicos dos anos 80 como Top Gun e Um Tira da Pesada, e do Além da Linha Vermelha, também do Malick; Hank Corwin, montador do excelente (e obrigatório no tema) Assassinos por Natureza - é curiosamente o primeiro filme que ele montou; Jay Rabinowitz, montador de filmes importantes de dois dos maiores diretores atuais: Jim Jarmusch e Aronofsky - ele montou o mais obrigatório ainda no tema Réquiem para um Sonho; e por último (e mais importante) Daniel Rezende, o mais importante montador brasileiro do momento, que já foi indicado por Cidade de Deus ao Oscar e montou os Tropas de Elite, Diários de Motocicleta e uns tantos outros.

Uma das melhores seleções de montadores de todos os tempos e mais um destaque para Daniel Rezende, nome importante de nossa cinematografia. Rezende também já fez sua incursão à direção com o curta Blackout, que ele mesmo disponibilizou no Vimeo. Curta interessante que conta com a participação de Wagner "Capitão Nascimento" Moura e do diretor de fotografia César Charlone (que também atua). Confiram o curta abaixo na íntegra.

[spoiler] Como todo bom curta de montador estão aí as telas em preto, os planos-sequência e alguns elementos gráficos (os ponteiros do relógio) para dar graça à história. Ágil, atual e bem interessante, não acham?

Vacas (como você nunca viu)

2011-05-11T13:23:00.000-03:00

A imagem de uma vaca parada. Uma música eletrônica. After Effects.

É tudo o que você precisa para você fazer um vídeo interessante como esse:

"Animal", não? E pros que pensam em fazer algo assim, já aviso: não é "teta".

Cloud Nothings e o Músicapavê

2011-05-11T12:54:00.000-03:00

No último post falava sobre música e dava a dica do Músicapavê, blog bacana de música e vídeo, amigo deste em que você se encontra. Escrevi para eles um post sobre os Cloud Nothings, banda nova de rock alternativo, que eu acho bem bacana. Agora esses caras começam a mostrar a cara e fazem isso (como toda boa banda) através de vários videoclipes. Em alguns eles acertam mais, em outros menos, mas a música é sempre bacana. E em um tantos eles conseguem provar umas novas linguagens, testar uns efeitos diferentes, buscar visuais interessantes (alguns meio oitenteiros). Por isso é motivo de destaque nos dois blogs.

Os Cloud Nothings são esses nerds aí acima. Clique AQUI para conhecer melhor a banda e ver os diversos videoclipes feitos por eles até o momento. Vale a visita.

Garotas Suecas e Delafe y las Flores Azules. São Paulo e Barcelona.

2011-04-18T22:43:00.008-03:00

Aí pra um ano e meio atrás troquei Barcelona por São Paulo, depois de dois anos fora. Troquei (para o bem e para o mal) o Eixample e sua Sagrada Família pela Vila Maladena e seus Filiais. Saí do Rec e do Orfanato para cair na Tropa de Elite 2 e no Lula, o Filho do Brasil. Ou, em termos musicais, saí do Delafe y las Flores Azules para cair nas Garotas Suecas (sem duplo sentido aqui).

Para efeitos de ilustração, abaixo um dos últimos videoclipes dos Garotas Suecas, gravado bem no coração desta atual (para mim) Vila Madalena, no famoso Beco do Batman, em um plano-sequência com manipulações em pós de velocidade (o que gera aqui um efeito interessante).

E se juntar os amigos e fazer um plano-sequência trucado (amigo também do baixo orçamento) é o tema da vez, conheçam os Delafe y las Flores Azules, uma das bandas mais interessantes da cidade condal (também visualmente), que já gravaram até com o Blogoteque. O final do videoclipe é o grande barato da coisa, lembrando o genial curta-metragem francês O Balão Vermelho do Lamorisse (ou mais recentemente o Up da Pixar).

Outro videoclipe da banda que também usa da edição para fazer algo interessante é o Espiritu Santo, música mais calminha que usa o corte para mudar a ação e a pessoa (e aqui também entram os muitos amigos da banda) e no final, apela pro crowdsource para multiplicar o efeito (lembrando o famoso Where the Hell is Matt? de uns tantos anos atrás).

No final, as duas bandas podem ser resumidas como futuras apostas das duas cidades (e dos dois países?), visualmente próximas e com algumas ideias interessantes nos videoclipes. Mais interessantes até que as próprias músicas, meio "poéticas" ou caetânicas demais pro meu gosto.

Este post é também uma homenagem ao finado Link to Think, blog que acompanhei e colaborei algumas tantas vezes e que fazia muito bem esse diálogo entre as duas cidades.

E se esse blog pretende colocar o audiovisual em palavras, outro que dialoga com este tema e que eu recomendo é o Músicapavê (ainda por cima trocadilheiro), que mostra áudio para ser visto (e usa como base para isso também os videoclipes, por tantas vezes objeto deste blog). Tá dada a dica.

Um novo Lars Von Trier enquanto o mundo não acaba

2011-04-08T16:00:00.006-03:00

Pare o que está fazendo.

Está no ar o trailer para o novo filme do Lars Von Trier, o Melancholia. Desta vez com uma seleção de bons atores, como Kirsten Dunst (Homem-Aranha), Charllote Gainsbourg (Anticristo), Kiefer Sutherland (24 Horas), Charlotte Rampling (Swimming Pool), John Hurt (Harry Potter) e os dois Skarsgard (como coloca uma bola em cima do "a"?), Stellan-pai-(Thor) e Alexander -filho- (True Blood). E claro, pode ficar tranquilo (se você é fã dos filmes do Lars, como eu), o Udo Kier continua no elenco (já o mesmo não pode ser dito do Jean-Marc Barr).

Pela definição, é algo entre o Festa de Família e o 2012 (se é que isso não poderia caracterizar quase todo filme). Nas palavras dele: "a beautiful movie about the end of the world" (ou: um bonito filme sobre o fim do mundo).

Confiram o resultado abaixo:

Agora, é torcer para estrear logo nas nossas salas.

Ps. sempre que colocam os atores com algum exemplo de filme já feito por eles, como eu fiz aqui, acabo formando uma imagem conjunta de todos eles. Nesse caso, não sei o que daria entre o cruzamento do Thor, do Homem-Aranha e do Harry Potter com o Swimming Pool e o Anticristo. Ficaria algo bem estranho. (Mas provavelmente nem perto de ser tão estranho -ou tão bacana-como o filme que o Lars Von Trier deve entregar desta vez. Vai por mim.)

Conheçam JT, o macaco-editor

2011-03-29T15:45:00.005-03:00

"Até um macaco conseguiria editar este filme?"

Conseguir, agora sabemos que sim (o que pode ser uma ótima notícia, inclusive). Eis abaixo um "criativo" vídeo de surf editado por JT, o chipamzé. Segundo a descrição do vídeo, eles "deram os controles do Final Cut Pro para o animal e ele rapidamente dominou o processo de edição. JT prefere cortes rápidos e som ambiente".

O que eles não comentam é quanto tempo JT demorou para exportar o vídeo e fazer o upload para o Youtube. Como toda pessoa sabe, o trabalho de um editor de vídeo é 10% a edição em si e 90% brigas com codecs, renders, definição de formatos de captação vs. formatos de edição, problemas com o final cut que cai toda hora e coisas do tipo.

Em muitos casos desse nosso monótono cinema e de nossa velha e pobre televisão, acho que podíamos deixar JT editando e chamar um editor só depois, para subir para o Youtube ou passar para a fita. Fica a dica.

Os geniais efeitos visuais de Cisne Negro (contém spoilers, já aviso)

2011-03-18T21:33:00.011-03:00

Você não se perguntou durante o Cisne Negro onde infernos estariam as câmeras (e todo mundo que trabalha ao lado dela) naqueles muitos planos no salão de ensaio, cheio de espelhos? Ou não se perguntou se era mesmo a Natalie Portman que dançava aquilo tudo? Ou mesmo, como eles faziam todos aqueles efeitos da "transformação", que conseguiam ser ao mesmo tempo artísticos e realistas?

Pois aí está um belo vídeo de making of para nos ajudar.

O legal do vídeo é que mostra o truque cinematográfico ao mesmo tempo que mostra como a mensagem foi ampliada por essas muitas camadas feitas em pós-produção (como no caso do belíssimo plano da tatuagem de asa, por exemplo). Como falado no post anterior sobre a série In Treatment, esse tipo de coisa (como imaginar onde estaria a câmera em muitos planos, por exemplo) pode não ser imaginado ou mesmo cogitado por um espectador comum, mas serve para ampliar a reflexão sobre as imagens e gerar novas possibilidades narrativas. Ainda mais no caso do Cisne Negro, em que a história da bailarina e a interação com o instrutor de ballet (vivido pelo genial Vincent Cassel) apontam claramente para a relação da atriz com a personagem (que em alguns casos pode consumir demais a pessoa que interpreta, que começa a confundir os "papéis" - como no caso Heath Ledger/Coringa, imagino); e na relação própria entre a atriz e o diretor, que às vezes joga com o psicológico da atriz para alcançar o resultado desejado.

A pós-produção e montagem ajudaram no caso do filme a expandir essas possibilidades, jogando novas "camadas" de profundidade em uma já profunda história.

Ps. pros que se interessarem em ampliar o conhecimento sobre o filme, recomendo ver no Youtube uma longa entrevista (de quase UMA HORA de duração) com o diretor de fotografia Matthew Libatique, o montador Andrew Weisblum e o diretor, Darren Aronofsky, falando de forma quase informal sobre os diferentes aspectos do filme (clique aqui se quiser ver). Há outra com Natalie Portman, de pouco mais de meia hora que é também bem interessante (ela responde a pergunta "Você chegou a discutir com o Aronofsky se você realmente morre no filme?", já aviso) - para ver, clique aqui.

Ps2. Também falei do Cisne Negro em outro post, mas rapidamente, comentando os indicados ao prêmio de montagem do Oscar.

_______________

Atualizado em 29/03:

Uma ressalva: o vídeo que você vê acima não é o mesmo que eu tinha postado originalmente. O vídeo que eu tinha colocado acabou sendo tirado do ar e as únicas opções encontradas na Internet hoje em dia são vídeos oficiais da Fox. Há uma explicação para isso: enquanto Benjamin Millepie, marido de Natalie Potman e bailarino no filme, diz que a participação dela foi de pelo menos 85% nas cenas de dança, Sarah Lane, a dublê de corpo, fala que é algo como 5% (essas declarações vieram depois da premiação do Oscar, obviamente). No vídeo original dava para ver a troca do rosto de uma pela outra em pós-produção (daí porque eu falo no início, inclusive, sobre ela dançar ou não aquilo tudo). O vídeo atual continua interessante, mas substitui as cenas de dança por outras cenas com os jogos de espelho, em que se mostra o terror da personagem (efeitos para mostrar o irreal, o psicológico) mas não a dança e outros planos mais simples (aqui reais, em teoria). Aqui há mais informações sobre o caso, para quem quiser (em inglês).

Quando o roteiro, a direção e a montagem são executados com maestria. (ou: as idéias por trás da primeira temporada de In Treatment)

2011-03-10T09:20:00.000-03:00

Me deram alta. Hoje finalmente acabei de ver a primeira temporada da série In Treatment (aqui Em Terapia), produção da HBO (atualmente em cartaz em sua terceira temporada). Se você não conhece eis aqui uma rápida publicidade desta primeira temporada da série:

E se você não sabia, a série é uma adaptação de uma produção israelense feita três anos antes com basicamente os mesmos personagens e conflitos desta primeira temporada americana. Aqui a apresentação (mais detalhada que a anterior) da série original:

Algumas idéias que me fizeram ficar viciado na série:
1. O formato é genial. Episódios curtos, de menos de 30 minutos, que vão ao ar de segunda a sexta, cada um deles com o paciente do dia (o de sexta é para supervisão, ou seja, ele é o paciente). Isso não só é um fator viciante como dá um dinamismo bem grande à série; muitas vezes você se pega querendo pular uma semana para descobrir logo o que acontece com o personagem (o que eu na verdade não recomendo).

2. Há ali todo tipo de conflito: amoroso, profissional, familiar, etc. Cada hora você acha que tem mais a ver com um paciente (e um tipo de conflito) e isso costuma variar bastante ao longo da temporada.

3. O roteiro é primoroso. Diálogos objetivos, que conseguem prender e instigar o espectador ao mesmo tempo que garantem bom ritmo e soam naturais em quase todo o tempo (pelo menos para mim), tendo bom desenvolvimento ao longo da temporada.

4. Ao ver o filme Inception/A Origem, de Christopher Nolan, me perguntei se aquilo não poderia ser mais denso e mais perturbador (sendo também mais efetivo), entrando mais na cabeça (aqui também literalmente) dos protagonistas e expondo os conflitos, sem tantas explosões e tiros para tudo que é lado. Algo que seria no final das contas mais complexo e feito, possivelmente, de forma mais barata, já que você não cria tantas situações mirabolantes. Seria algo como o eXistenZ do Cronenberg, só que não tão viajado ou bizarro.

Pois bem, o In Treatment entra nessa categoria. Por que não gastar a meia hora do episódio focando apenas na interação entre as duas pessoas, em um ambiente fixo, sem maiores ações, flashbacks ou representações fictícias do que está sendo falado? Essa era a proposta da série e me parece extremamente efetiva. É dado ao espectador o poder da imaginação (assim como trabalha o psicanalista diariamente) e essa é a graça da coisa.

5. (e aqui chegamos ao tema central deste blog) A série é um ótimo exercício de direção e principalmente, de montagem. Ao trabalhar basicamente com diálogos, um único ambiente, sem maiores apoios cenográficos, com apenas dois atores, sentados, falando por meia hora, é preciso representar os movimentos que, em um processo psicanalítico, representam coisas -falam tanto quanto o diálogo- além de dar bom ritmo e prender o espectador.

Há dois pontos que me parecem especialmente representativos dessa idéia e que ilustram possivelmente as duas coisas mais complicadas do trabalho de montagem:

a. Ação/reação. Um exemplo claro disso tínhamos também nos filmes (também só de diálogos) Antes do Amanhecer e Antes do Pôr-do-sol, dirigidos por Richard Linklater. Ao colocar duas pessoas também conversando durante toda a duração do filme, eles tinham que, a todo tempo, mostrar a pessoa que fala (e que sugere algo) e a que que reage (aceitando ou rechaçando algo). Mais que isso, eles tinham que representar em gestos o que não é dito: um olhar que provoca; um não que quer dizer sim; uma levantada de sobrancelha desconfiada. E aí está boa parte do trabalho do montador, sabendo quando mostrar a ação e quando sugerir a reação, durante um diálogo, optando cada hora por um plano diferente. A mesma preocupação existe na série.

b. Quebra de eixo/direção do olhar. Eis uma das coisas mais dificilmente explicadas em aulas de direção e que o montador tem que estar a toda hora atento durante o processo. Ao inverter o eixo da câmera, colocando ela numa posição oposta ao sentido em que estava (em relação à ação), mudam-se as direções de olhar e sentido da ação, confundindo o espectador. O que em geral se atém para não parecer um erro, na série é usado com sentido narrativo. Ao trocar de uma hora para outra o eixo da câmera, passando para o outro lado da ação (do ombro esquerdo para o direito do analista, por exemplo), os olhares dos personagens trocam de direção, fazendo com que estes assumam posturas diferentes. O que antes estava em uma posição de defesa (e olhava para a esquerda da tela em boa parte das vezes) passa a assumir posição de ataque, olhando para o lado oposto. É um fator desconhecido para boa parte do público (que não percebe como tal) mas que certamente acaba influenciado por este tipo de linguagem (ou ao menos temos a tendência a pensar que sim). Dá de qualquer forma uma intenção para cada plano (e aqui valoriza o trabalho do diretor), além de um ritmo e uma dinâmica muito interessante (e o do montador também). Fica muito mais legal analisar o diálogo quando você está ciente dessas coisas; e pode interpretar que papel cada personagem está desempenhando nos diferentes momentos da série.

Tá dada a dica. (se quiser, clique aqui para ver em streaming o primeiro episódio - e ficar viciado para sempre).

O oscar de montagem (ou: entre Inception e Social Network fico com Scott Pilgrim)

2011-02-28T21:18:00.015-03:00

Contrariando a lógica de que o filme que vence o Oscar de montagem também ganha direção e melhor filme (lógica que prevaleceu ano passado com o Guerra ao Terror de Kathryn Bigelow, como falamos aqui), este ano tivemos A Rede Social premiado nesta categoria, enquanto os outros dois prêmios ficavam para O Discurso do Rei, de Tom Hooper. Outra coisa que também não aconteceu foi montagem ser premiada junto com categorias mais técnicas como as relacionados a som e efeitos especiais (aqui deu A Origem de Christopher Nolan -que não foi indicado como diretor, inclusive).

Logicamente os montadores Kirk Baxter e Angus Wall têm seus méritos, já que conseguiram dar bom ritmo e tornar bastante interessante um filme feito basicamente em cima de diálogos. Confira abaixo uma entrevista feita com os dois no momento seguinte à premiação. Aí eles comentam um pouco sobre essa dificuldade de trabalhar com muito texto; sobre o trabalho com David Fincher; e lamentam o diretor não ter levado no momento seguinte ao deles o prêmio também.

Mas se no post do ano anterior eu lembrava da não indicação de Redacted, de Brian de Palma para a premiação nesta categoria (o que já me parecia bastante estranho), este ano acho revoltante não termos Scott Pilgrim contra o Mundo, de Edgar Wright disputando a estatueta. Um filme atual e inovador, com uma quantidade assustadora de novas idéias por minuto, bem dirigido e bem adaptado do universo da HQ, com ritmo impressionante, apoiado em muitos efeitos e elementos gráficos diferentes. Um filme difícil de fazer e que se relaciona, na minha opinião, muito melhor com esse universo virtual/eletrônico atual, de tantas músicas em mp3, jogos de video game, televisão e Youtube (e faz isso através de um uso animal da montagem). Universo este que deveria também estar representado em A Rede Social, já que se relaciona com a história do Facebook, meio que junta todas essas mídias. A Rede Social usa da rapidez e agilidade da interação das redes sociais e é um filme inteligente e bem estruturado, mas é um filme de texto, de diálogo, careta portanto em certo sentido.

Se você acha que estou forçando a barra e a coisa não é bem nestes termos, veja abaixo então um extenso vídeo sobre os diferentes efeitos presentes no Scott Pilgrim, comentados pelo diretor de arte Nigel Churcher. (No Youtube também tem um making of de quase 50 minutos com detalhes do filme, para quem quiser se aprofundar mais).

Com isso, acho que a premiação do Oscar que vimos ontem ficou ainda mas sem graça, já que nela vimos poucos filmes competirem entre si em quase todas as categorias, sendo que muitas delas a vitória já era dada como certa por um deles muito antes de ser anunciada (como foi no caso de Toy Story 3). Mais competidores dariam mais dinamismo para a premiação, além de mostrar aos telespectadores que Hollywood não vai tão mal das pernas assim.

Em tempo: cabe aqui algumas ressalvas. Confesso que não vi ainda o 127 horas de Danny Boyle, diretor este que soube jogar incrivelmente com a montagem em diferentes filmes; seja com a lógica televisiva/bollywood em Quem quer ser um milionário?; seja com o irregular A Praia, em que víamos uma viagem de Leonardo DiCaprio inspirada também nos jogos de video game; ou no inquestionável Trainspotting. Muitos já me falaram que 127 horas cumpre o esperado.
Outra coisa é que também não mencionei Aronofsky e seu excelente Cisne Negro, filme magistral de outro diretor que sabe usar a montagem como poucos -Réquiem para um sonho e Pi são exemplos claros disso- e Cisne Negro não foge à regra. De um modo ou outro podemos dizer que a disputa estava mesmo acirrada. Se por um lado faltou Scott Pilgrim, por outro sobrou talento em poucos (e grandes) nomes.

Dexter, quadrinhos e internet

2011-02-22T23:06:00.013-03:00

Pouquíssimas são as adaptações de HQs no cinema que conseguem fazer com que o espectador tenha uma experiência tão interessante quanto a que este tem em frente aos quadrinhos. O próprio fato do leitor juntar na sua cabeça uma imagem com a seguinte no gibi já obriga uma relação mais profunda, menos passiva que a do espectador comedor de pipocas (alguns chegam a dizer que a relação com o gibi é obrigatoriamente interativa). Os dois melhores filmes a tentarem uma experiência algo mais inteligente, na minha opinião, foram na verdade dois grandes fracassos: o primeiro é o Hulk do Ang Lee, condenado pelo CG terrível -e pela presença do Eric Bana-; o segundo é o Scott Pilgrim, que quase não entrou nos cinemas brasileiros e foi ignorado pela presente edição dos Oscars.

Eu achava que o cinema jamais conseguiria adaptar fielmente (ou criativamente) o trabalho de ilustradores como o Dave Mckean (das capas do Sandman) e Bill Sienkiewicz (de Elektra Assassina e Asilo Arkham). Bom, o primeiro já teve sua chance na direção com o Máscara da Ilusão (2005), filme que tentou usar o 3D de forma diferente, segundo ele feito por menos pessoas, com o intuito de ser mais "autoral", mas com um resultado cansativo e bastante irregular. Mas eu nunca tinha visto nada feito pelo segundo.

Não até os seis webisodes que ele assinou, no final do ano passado, para a ampliação do universo da série Dexter. Mesmo com uma animação simples e um roteiro fiel à estrutura da série mas pouco aberto a experimentações narrativas, os belos desenhos conseguiram gerar um bom clima e são, de qualquer forma, um uso criativo de uma série de TV (voltado neste caso exclusivamente para a Internet). Pros que ainda não tinham visto, vejam o primeiro episódio da série abaixo e na sequência o making of (que ele não aparece). Para ver os demais episódios, clique aqui.

E já que estamos falando de Dexter, veja também a música que o Pogo (falei mais dele aqui) fez em cima dos ruídos e barulhos da série, em outro bom exercício de edição.

Everything is a remix. (ou: expondo e discutindo a manjada indústria cinematográfica)

2011-02-03T22:41:00.010-02:00

Nada se cria. Tudo se copia. Segundo Kirby Ferguson, nos dias de hoje, everything is a remix.

Em cima deste conceito, o americano está criando uma série de vídeos (2 até o momento) que mostra como a indústria cultural, principalmente música (no primeiro vídeo) e cinema (no segundo), não consegue não se apropriar do já existente para criar novos produtos (como um terrível vício). A tese é logicamente mais antiga que esses caras e está sendo hoje em dia muito expandida dentro dos meios acadêmicos. Rick Altman no seu importante livro Os gêneros cinematográficos (2000) falava que este vício vem da necessidade da indústria de estar sempre criando franquias para fidelizar o público (gerando assim mais dinheiro) e o francês Nicolas Borriaud em seu Pós-produção (2007 - falei mais sobre ele aqui) discutia como hoje é mais legal justamente se apropriar do já feito para gerar novos produtos (aqui na verdade ia para o lado da apropriação e alteração em montagem, um uso mais artístico e consequentemente, mais valioso).

Mas nenhum dos acadêmicos fez um vídeo tão interessante e bem editado como fez o senhor Ferguson (o figura acima), que ainda por cima ilustra claramente como a indústria cinematográfica é repetitiva, girando sempre sobre os mesmos temas e conceitos (inclusive visualmente). Cinema é indústria e, para isso, deve render dinheiro (o formato disto foi inclusive brilhantemente atacado recentemente pelo mestre Coppola - ver aqui). E para render dinheiro, nada como jogar em terreno seguro, na melhor lógica de não se mexe em time que está ganhando (se está realmente ganhando nos dias de hoje é outro ponto a se discutir).

Vejam o vídeo abaixo. É o segundo da série. E aqui fala só sobre cinema.

Ilustrando também o conceito e focando sobre o exemplo do Kill Bill (mencionado no final do exemplo acima), o editor Rob Wilson fez outro vídeo (em parceria com Ferguson, inclusive) que mostra todas as milhares de referências usadas por Tarantino para compor o que poderia ser a obra-prima do remixing. Tarantino é o rei do copy/paste e é o melhor a se apropriar de signos antigos para criar alguma coisa ao mesmo tempo pop/vendável e inovador/vanguardista. Por isso mesmo tem milhões de teses por aí usando o figura para ilustrar conceitos do pós-modernismo. Se todo mundo copia tudo descaradamente, achando que está criando algo inovador, aqui a graça está justamente em expor essas referências e jogar com elas. É o mashup no lugar do remix.

Divirtam-se com o vídeo abaixo.

Os dois vídeos ajudam a jogar nova luz nos estudos acadêmicos e a expor de forma fácil e divertida as manjadas fórmulas da indústria cinematográfica, que explora demais os plots, as estruturas de roteiro, os mesmos personagens e situações, as mesmas fontes e referências. Algo muito bom e positivo deve vir de isso tudo no futuro. Como diria Lars Von Trier, "se você pensar que a história da arte começou quando um homem rabiscou a caverna e comparar com os cem anos da história do cinema, podemos pensar que agora mal sabemos como desenhar um bisão".

Ps. para seguir o projeto do Everything is a remix, fique ligado no twitter dos dois (@remixeverything e @robgwilson) e nos blogs pessoais (http://www.everythingisaremix.info/ e http://robgwilson.com/). As novidades e os próximos vídeos virão por aí.

Poder aos Latinos! (com Major Lazer)

2011-01-12T23:08:00.007-02:00

Major Lazer é um projeto musical criado em 2009 pelo Diplo e pelo tal do Switch, com participações da Santigold e mais uma porrada de gente. Ou, se preferir, é um guerreiro jamaicano que perdeu o braço numa luta secreta com zumbis em 1984 (e desde então combate vampiros e outros monstros com seu lança-foguetes implantado no braço).

O primeiro single lançado por eles, chamado Hold The Line já tinha um videoclipe visú, mistura de desenho do He-Man com propaganda para vender Comandos em Ação.

Mas nada supera o clipe feito pela produtora argentina Flamboyant Paradise (!) para o remix dos Frikstailers (!!). Não só a música ficou ainda melhor como aqui eles conseguem uma perfeita combinação de linguagens, cores, efeitos visuais, técnicas, figurinos, óculos com raios e bigodes para Moraes Moreira nenhum botar defeito. Coisa difícil (para não dizer impossível!). Aproveite sem moderações.

Editando com vários softwares (ou possibilidades)

2011-01-06T15:56:00.009-02:00

O mais legal da montagem para cinema atualmente ser feita por computadores é que, ao contrário da moviola, podemos agora integrar facilmente diferentes tipos de formatos (de fitas VHS a películas 35mm) e também de mídias - um gráfico, um texto, uma imagem... Basta para isso ter histórias que comportem este tipo de linguagem (que aparece na publicidade, nos videoclips e vídeos da internet, mas dificilmente chega aos cinemas).

A melhor ilustração para esse jogo com formatos e possibilidades vem desta campanha recém lançada pela Intel, que joga narrativamente com o cruzamento de usos de softwares, aplicativos e páginas da Internet, para demonstrar a capacidade dos processadores (e a interação com todas essas mídias que cada vez estamos mais acostumados).

Outro que vai na mesma linha é um stop-motion feito através do google docs, que mostra também como não precisamos de dinheiro e muitos aparatos para fazer algo legal (além de mostrar como apresentações estilo ppt são -em quase todos os casos- toscas, tediosas e mal-feitas). Mais infos no Motionographer.

Boardwalk Empire e mais mágica do Chroma Key

2011-01-03T16:13:00.006-02:00

Um dos melhores acontecimentos do audiovisual mundial em 2010 foi certamente a série Boardwalk Empire, da HBO americana, criada por Martin Scorsese e estrelada por Steve Buscemi (dois caras geniais). A empresa de efeitos Brainstorm Digital divulgou agora (que a primeira temporada terminou) um vídeo mostrando como eles fizeram a perfeita ambientação da série, que recria os anos 20 de Al Capone. Trabalho impecável (e criativo) que mistura grandes cenários a composições feitas em pós-produção através do recorte em Chroma (e muita criação em 3D). Vejam o vídeo abaixo (pros que estão no meio da série - como eu - o vídeo pode mostrar uma coisa ou outra que ainda não apareceu, já aviso. Mas não tira a graça das duas coisas - vídeo e série- na minha opinião. Pode ver sem medo).

E se você acha que está aí o grande trabalho de criação da série, aqui vai um time lapse do canal da HBO no Youtube, mostrando o imenso trabalho de criação do set principal da série, que aparece muitas vezes no vídeo acima.

Um e outro mostram o trabalho preciso e demorado que está por trás da criação da série e que ninguém nem imagina (mas admira). Depois disso, fica alguma dúvida da importância da série? Se você ainda não viu, vá atrás.

E por falar em Chroma Key, um bom exemplo está também em outro post, que mostrava a criação por trás do filme A Troca, do Eastwood. A recriação dos dois foi feita de forma bem parecida, inclusive. Clique aqui se quiser ler mais a respeito.

Sobre Fugazi, Cassavetes e trabalho na praia

2010-12-21T05:50:00.009-02:00

Através do amigo Andre Cruz, conheci o Jaume Montané, uma das metades da produtora catalã Copilotos e criador de algo genial: o melhor videoclipe não-oficial do Fugazi, banda de Washington D.C. (a da foto acima) que além de vender seus álbuns com preço impresso na capa, tem a fama de nunca ter feito um videoclipe.

A música que ele escolheu acho que é a minha predileta (do meu álbum predileto) do Fugazi (uma das minhas bandas prediletas): a Cassavetes, do In On the Kill Taker (álbum de 1993). Usando o tema da música, ele cruzou apresentações ao vivo da banda (provavelmente tirada do Instrument, ótimo DVD deles lançado em 2001) com cenas do filme Faces, dirigido pelo John Cassavetes em 1968 em que mais uma vez Gena Rowlands, também esposa do diretor, atua (é também citada na letra da música). Ah, o filme foi rodado na casa do casal, inclusive. Confiram o resultado do videoclipe abaixo.

E para aproveitar este que deve ser o último post do ano (já que ninguém é de ferro!), aí vai uma publicidade da produtora deles, a Copilotos, que ilustra muito bem como é trabalhar (e ter uma produtora) nesta época do ano. "Alô? Não... não fechamos. Aqui estamos. Em que posso lhe ser útil?". Aproveito este post então para desejar boas festas a todos (e bom trabalho pros que ficam).

Em tempo: nestes 10 meses de vida do blog, já tive mais de 13 mil visitas. Obrigado pela preferência. Postando sempre para postar bem (ou seria o contrário?). Celebremos então!

Walking Dead e Criss Angel (sobre zumbis e mulheres mutiladas; truques e truques cinematográficos)

2010-12-11T12:56:00.020-02:00

Ontem vi o primeiro episódio de Walking Dead. Certamente os fãs do gênero devem achar ele meio novelinha, muito blablaba entre uma explosão de cabeça e um zumbi mutilado. Eu achei bem bacana. É mais um a provar que, pelo menos em se tratando de roteiros, o legal está mesmo na TV a cabo americana. É uma boa aposta no final das contas. Bem executado, bem escrito, com planos bem bacanas, efeitos e maquiagem impecáveis. E aqui está o principal (que pode explicar de certa forma o blablabla do roteiro): o zumbi em si, a cabeça mutilada e a pessoa sem perna, por si só, já não impressionam muito mais (ainda que no caso da série garanta bons momentos). Se antes o legal era pensar "como esses caras fazem isso", agora já tem milhões de vídeos na internet e programas de TV que mostram o making of dos inúmeros filmes de zumbis. As passeatas de mortos-vivos que têm por aí (e teve uma recentemente em São Paulo, a da foto abaixo), já estão se bobear mais profissas que muitos filmes de baixo orçamento. Então a idéia é dar uma nova cara ao gênero. Tentar torná-lo verossímil de novo. E o roteiro é parte essencial disso.

Mas falando em efeitos, truques e aspectos relacionadas à pós-produção, acho legal eles não esconderem no material extra de divulgação como as coisas são feitas (e nem transformarem isso em show, também). Veja o vídeo abaixo por exemplo, onde vemos Robert Kirkman, criador da HQ que deu origem à série e agora produtor executivo, falar sobre o assunto ao mesmo tempo em que vemos o zumbi mutilado (o primeiro que o personagem principal vê ao sair do hospital), com tecido azul ao redor das pernas para posterior recorte do chroma.

Este zumbi mutilado serve também para ilustrar outro ponto desta discussão entre o que desconhecíamos antes e agora já conhecemos de sobra. Em uma aula, o diretor de arte espanhol Andrés Hispano usava a história da mágica para ilustrar a mudança da visão das pessoas sobre os efeitos. Dizia ele que antes nos surpreendíamos com mágicos de shows grandiosos, como David Copperfield. Este fazia um show para se ver ao vivo e o povo caía totalmente nos truques do ilusionista. Dali passamos para o David Blaine (vou pular o Mister M, desculpa), mágico minimalista que dominava a linguagem da televisão e fazia truques muito simples (quase idiotas) parecerem muito mais autênticos que os do anterior. E por último teríamos o Criss Angel, mágico que nasceu no Youtube, com truques impressionantes em vídeos de péssima qualidade (difícil para ele foi convencer os outros que a Paris Hilton tava mesmo dando bola quando tirou a foto).

Andrés usava essa mudança para falar como o público liga hoje em dia muito mais para o conteúdo do que para a definição propriamente dita (até por termos agora câmeras simples e televisões "baratas" em HD). Como exemplo, comentava que o surgimento do Dogma-95 no mesmo ano em que vazou o polêmico vídeo da Pamela Anderson com o Tommy Lee não era coincidência; os dois apontavam para esta idéia de menos definição e mais conteúdo (no caso da Pamela, que conteúdo!). E neste processo, se antes duvidávamos da produção do Copperfield, agora caímos na do Criss Angel sem contestar muito; a graça está em cair no truque afinal de contas. Mesmo ele fazendo uns truques bem safados através de pura manipulação em edição (+ atores contratados). Os truques dele viram qualquer porcaria se você passar a pensar que ele está sempre mudando coisas que você não vê entre um corte e outro (e desculpa Criss, mas o Buster Keaton já fazia isso bem melhor que você quase um século atrás). O vídeo abaixo, que ele parte uma mulher ao meio, já é um clássico (e aqui, finalmente, a ligação com o outro zumbi, do Walking Dead).

Em tempo: se quiser saber qual é o truque da mágica acima, e que tem relação com edição, como falei, é só clicar aqui. Fácil e rápido, como a internet sempre possibilita.

People Change (enfim, em um Vimeo perto de você)

2010-12-02T22:37:00.008-02:00

Mais ou menos um ano atrás eu concluía um curta-metragem (o meu primeiro), feito de forma extremamente barata (no campo "orçamento" do formulário de inscrição de alguns festivais eu coloquei algo como 5 euros, o preço de uma fita mini-dv), que servia inicialmente para ilustrar umas tantas idéias da minha tese de mestrado, que tinha como tema inovações em montagem no Cinema. O curta contou com a colaboração de alguns amigos e foi feito ao longo de uns seis meses em frente ao After Effects, nos meus meses finais em Barcelona. Ele tenta ilustrar algumas das tantas coisas que um montador pode fazer com os softwares de edição disponíveis, afim de ganhar sentido narrativo (as idéias por trás dele eu falei melhor aqui).

Neste ano ele rodou quatro festivais: a Mostra do Filme Livre e o Cinesul - Festival Latino-americano de Cinema e Vídeo, que acontecem no Rio de Janeiro; o Festival Locomotiva de Animação, que acontece em Garibaldi, no Rio Grande do Sul; e a VI Mostra Internacional de Curtas da Unioeste, Universidade de Toledo-PR (falei mais sobre dois deles aqui).

O resultado você pode conferir abaixo. Espero que goste.

People Change from Ricardo Kenski on Vimeo.

Fica aqui novamente meu agradecimento a todos que me ajudaram a realizá-lo. E aos festivais que acreditaram na idéia.

The Octopus Project

2010-11-22T22:06:00.010-02:00

Mais um da série "como fazer um videoclipe legal e extremamente barato". Dessa vez com a divertida The Octopus Project (a da foto abaixo), banda americana que já ganhou inclusive o título de Best Experimental Band do SXSW, importante festival indie de música e vídeo. A música se chama Truck e o clipe é dirigido pelos tais Zellman Bros.

Videoclipe criativo que nasce na sala de edição através da composição entre um material meio genérico (e poderíamos até dizer mal captado) e desenhos simples. Parece inclusive que a composição surgiu de um problema: disfarçar as pessoas que aparecem em primeiro plano, para não ter que pedir a autorização pelo uso da imagem. Por mais simples (ou funcional) que seja, o efeito deu uma cara interessante ao vídeo. Confiram o resultado abaixo.

TRUCK - The Octopus Project from Zellner Bros. on Vimeo.

Em outros dois posts falei de casos semelhantes de composições feitas na edição - clique aqui para vê-los. É sempre um exercício divertido no final das contas.

Videoclipes imaginativos (Beck, Charlotte Gainsbourg e El Guincho)

2010-10-23T01:14:00.013-02:00

Aí abaixo dois videoclipes bacanas que não tentam contar muita coisa, mas conseguem criar excelentes imagens. Em cima de várias situações desconexas, fazem esta "viagem pelo mundo da imaginação" que fala o primeiro, logo na introdução.

O El Guincho, que lançou este ano o disco acima, é talvez a banda indie mais exportável da Espanha. Ajudados por festivais como o Sónar, de Barcelona, acabaram sendo comparados com os Animal Collective. E fazem um som bacana, criativo. O clipe abaixo, consegue produzir boas imagens com tratamento simples e de fácil execução. É, na minha opinião, algo entre um editorial de moda e um filme do David Lynch.

El Guincho - Bombay from CANADA on Vimeo.

Já o primeiro clipe da parceria entre Beck e a francesa Charlotte Gainsbourg tem mais produção e acaba sendo mais estranho que maluco. E na mesma linha de comparações (esdrúxulas?) poderíamos dizer que é algo entre um programa familiar do National Geographic e um filme qualquer do Jim Jarmusch ou do Wes Anderson.

Charlotte Gainsbourg "Heaven Can Wait" from Beck Hansen on Vimeo.

Os dois clipes são importantes e, na minha opinião, extremamente relevantes porque usam da liberdade do meio (os videoclipes) para chegar onde o cinema vacila na maioria das vezes: a interpretação da imaginação. Estando a serviço das histórias, o cinema acaba sendo em boa parte das vezes, um livro ilustrado. Não consegue usar o seu potencial e hoje em dia, os muitos efeitos, softwares e possibilidades técnicas para criar coisas não vistas mas que estão no nosso imaginário. Ponto para eles.

RIP Sally Menke

2010-09-28T19:38:00.008-03:00

Morreu hoje, aos 56 anos, e de forma trágica, uma das maiores montadoras do cinema de todos os tempos, a Sally Menke. Ficou famosa por montar todos os filmes do Tarantino, dos quais recebeu duas indicações ao Oscar (por Pulp Fiction e Bastardos Inglórios). O meu favorito dela é certamente Death Proof, uma verdadeira aula de montagem. Ali vemos o uso de muitos filtros diferentes, efeitos, cortes errados propositalmente, um ritmo excelente nas diferentes partes, ótimas cenas de ação, tudo orquestrado de forma magistral - e feito em quatro semanas e meia, como nos diz Tarantino em um dos vídeos abaixo. É das que consegue usar a montagem para conduzir perfeitamente a história (de forma invisível) e também, como neste caso, potencializá-las através dos recursos disponíveis, assumindo sentido narrativo (aqui visível). A montagem vira neste caso um personagem a mais do filme e é responsável pelo visual genialmente diferente que vemos ali. Boa parte do sucesso e da graça dos filmes do Tarantino se deve a ela. Tanto que é considerada o braço direito do diretor. E pelos exemplos abaixo, em vídeo, vemos que mesmo estando numa salinha escura a kms de distância do set, ela era lembrada por todos os membros da equipe, em diferentes situações. Os "Hi Sallys", brincadeira que Tarantino fazia com a montadora durante a filmagem, é divertidíssimo e serve para mostrar a sua importância.

Vale também ler o texto escrito por ela para o portal do Guardian (clique aqui), em que comenta a sua trajetória, o trabalho com Tarantino e a admiração pelo trabalho de outra montadora notável, Thelma Schoonmaker, que trabalha desde sempre com Scorsese e que, com 14 anos a mais que ela, continua na ativa em ótimo processo criativo.

R.I.P. Sally Menke.

Bye Sally.

Mais Ok Go (ou: depois desse eu prometo que paro)

2010-09-25T12:45:00.009-03:00

Passou já uma semana do show dos Ok Go. Minha opinião não mudou muita coisa não. Mas para fazer justiça à banda, faltou falar de dois outros videoclips, realmente relevantes para o que pretendo com este blog. Os videoclips são os das músicas WTF e End Love.

Esses caras adoram fazer um videoclip com um bom plano-sequência e esses dois não fogem à regra. A diferença aqui é que eles tem umas sacadas bem bacanas de edição. No primeiro, o WTF, eles gravam um plano-sequência em fundo verde para recorte em chroma (sem nenhuma novidade até aqui), mas colocam um efeito que cria todo o visual do clipe (e faz ele ficar interessante). Até aí nada de mais também. Bacana mesmo é ver da onde surgiu a idéia e como foi feito no video de making of feito por eles, muito bem editado, diga-se de passagem (a linguagem lembra a do programa Pânico na TV). Não é sempre que podemos ver videoclips com comentários do diretor, como já estamos acostumados nos filmes.

O segundo é o End Love e é um dos melhores usos em videoclip que conheço para os time lapses (deixando o Gondry de lado, obviamente), que agora, com as novas câmeras de foto da Canon gravando também em Full Hd (5D, 7D e a Rebel T2i) começam a pipocar por todos os lados na Internet. Mais que isso, eles sabem jogar neste videoclip perfeitamente com as velocidades. Algumas horas acelerando o tempo, algumas horas usando um super slow, algumas tantas horas indo quadro-a-quadro estilo stop motion. Nenhum efeito ultra mirabolante, mas um conjunto bem bacana, com um ritmo bem interessante. (Em outro videoclip, a versão papel-de-parede da música Do What You Want, eles também jogaram bastante com o tempo, desta vez em planos separados, cheios de corte).

Tão aí os dois vídeos abaixo. Divirtam-se.

Conclusão: ao contrário das demais bandas, esses caras deveriam fazer menos shows. E mais videoclips. (E bom saber que tem gente por aí que sabe que um videoclip não é um curta-metragem e nem uma peça publicitária).

O Ok Go (e um videoclip bobo depois de um show sem graça).

2010-09-20T16:05:00.011-03:00

O Ok Go lançou hoje mais um videoclip. E como sempre, vai espalhar pela Internet que nem vírus no ar-condicionado da empresa. O novo clipe é feito de novo em um só plano-sequência, dessa vez com alguns poucos objetos e cachorros bem treinados. Se as pessoas que esperavam coisas mais mirabolantes (como as de alguns videoclips anteriores, como o do Pitagora Suitchi -que falamos aqui), ou algo tão divertido (como o primeiro, das esteiras de academia), vão virar a cara para esse, ele será aceito amplamente por todas essas pessoas (bobas) que babam em vídeos de cachorros (que tem na Internet aos montes). Mais uma vez eles sabem transformar apelos de vídeos toscos em videoclips baratos com boas sacadas. Isso é um dos maiores méritos da banda. Confira aí abaixo o resultado.

Sou um dos que se diverte vendo esses videoclips, devo confessar (mesmo sendo assim meio sem graça, como esse último). O problema na verdade começa quando começa a apresentação deles ao vivo (como presenciei na última sexta-feira no Estúdio Emme, em São Paulo). No palco, sem esteiras elétricas, cachorros, planos-sequências mirabolantes, figurantes para todos os lados e trucagens interessantes, você tem que prestar atenção na banda e obviamente, na música. E isso não se sustenta por muito tempo. Eles até tentam jogar papel picado para ver se melhora o show (e fazem isso o tempo inteiro); ou tentam tocar uma música só com sinos (certamente um dos pontos altos da apresentação); vestem ternos com luzinhas no bis (como a da foto abaixo); ou vão para o meio da galera, só com voz e violão (hora de pegar mais uma cerveja). Mas é pouco; e fica extremamente cansativo. Fica no fim que nem esse último clipe aí acima: bobo e algo sem graça, apoiado mais no "como eles são fofos", idéia que o vocalista certamente acredita - e prega durante o show-, do que "até que a música é boa", coisa que nem uns tantos hits no currículo ajudam a sustentar muito.

Conclusão: ter milhões de page views ou ser conhecido por muitos não faz de você algo realmente interessante ou relevante. Isso se aplica também de forma geral ao twitter e à esse universo dos blogs, que certamente são os maiores apoiadores da banda.

Porra, Superchunk!

2010-09-15T00:19:00.008-03:00

Pô, o Superchunk foi desde sempre uma das minhas bandas prediletas. Eles certamente estarão em qualquer lista das grandes bandas da ceninha indie americana dos anos 90, juntos aí com o Sonic Youth, o Yo La Tengo (que são certamente melhores que eles e logo mais tocam por aqui) e o Dinosaur Jr. (que desde que falou que ia tocar no Brasil, fez todo paulistano virar o primeiro-fã-número-1-da-banda-mais-legal-de-todos-os-tempos, ou algo assim). E eles continuam aí, com as caras de criança de sempre. Até lançaram este álbum abaixo, esta semana, depois de nove anos sem lançar nada...

Mas, porra, vem ano, vai ano, eles continuam fazendo esses clips bizonhos, como esse aí abaixo. É para parecer low profile, feito em casa, "entre amigos"; dizem eles que aí até aparece o cara dos Mountain Goats e uns outros tantos. Mas caceta, precisava ser tão tosco e sem graça? Eles são donos da Merge, lançaram Arcade Fire e tudo isso... (além dos She & him, Shout Out Louds, o próprio Dinosaur Jr. e o Lou Barlow, Buzzcocks, Caribou, Lambchop e uns tantos mais...)

Sei lá, fica aqui o meu protesto.

Pronto, passou! Mal aí.

Youtube interativo (ou: Iggy Pop e Tipp-ex vs. Burger King)

2010-09-12T21:12:00.013-03:00

A idéia é velha. Mas envolve um bocado de programação. E por isso é bastante curioso agora vermos essas coisas no Youtube. O caso é a nova publicidade (que já se tornou viral) da empresa alemã Tipp-ex para um corretivo estilo Liquid Paper. Você vê um video de 30 segundos e depois participa de uma experiência "interativa", em que você seleciona ações possíveis envolvendo um caçador e um urso.

Aos poucos vemos o Youtube, que era apenas uma página web para ver vídeos, passar a ser o principal meio para qualquer ação envolvendo vídeos, e nesse ponto, fica muito difícil saber agora até onde isso pode chegar. Já tínhamos visto vídeos interativos, em maior ou menor grau, como o clip do Iggy Pop (abaixo), que gosto muito. E ultimamente, algumas experiências, como o show do Madison Square Garden do Arcade Fire (que falei no post anterior), atrairam ainda mais atenção para a página. Neste caso, conseguiu juntar vídeo em alta definição com outras mídias sociais, fazendo posts do twitter e do facebook quase virarem uma sala de bate-papo.

O que temos agora é uma versão para Youtube (e com ursos) do que foi nos anos 2001 uma campanha da Burger King, a Subservient Chicken (ou Galinha Subserviente), em que já podíamos, através de vídeos, dar comandos para uma "galinha". (clique aqui para recordar e se divertir também).

No fim, demorou quase dez anos para vermos a mesma coisa dentro do Youtube, mas por outro lado, se pensarmos que a página é voltada para o público em geral, parece um passo interessante no sentido de que, qualquer dia, você vai poder fazer algo assim tão facilmente quanto subir um vídeo depois de gravá-lo no seu celular (vai saber...). Ao menos é essa a idéia que o Youtube pretende passar, associando boa publicidade ao formato deles para todos os demais vídeos. Bom, clique no vídeo abaixo e comece a interação (depois, é só dar os comandos mais variados que surgirem na sua cabeça - em inglês, é claro). Aproveite!

Uma observação final: achei interessante também a frase do tal Bob Thacker, da Buzzman, empresa francesa responsável por esta ação de marketing:
«The secret is respecting the consumer. You are interrupting their life.
All advertising is unwanted, so if you're going to crash the party, bring some champagne with you.»

The Wilderness Downtown. O novo projeto visual dos Arcade Fire.

2010-09-03T00:01:00.009-03:00

Animal o projeto interativo dos Arcade Fire para divulgar a bela We Used To Wait, do Suburbs, o novo álbum deles. Servindo também para promover o Google Chrome, ele usa um dado fornecido pelo usuário (um endereço qualquer) para montar um videoclip com muitas janelas de formatos diferentes que conversam entre si em formato pop-up, misturando para isso dados do Google Street View, animações, vídeos com texturas variadas, etc.

Não é a primeira vez que eles fazem isso. Para promover a Black Mirror do álbum anterior (o Neon Bible, o pior deles) eles fizeram uma página onde você podia escolher quais canais de áudio queria escutar (entre seis opções) e podia ver o clip com fundo branco ou com fundo preto (selecionando com a barra de espaço). Uma experiência já bastante interessante e melhor que esse em relação ao áudio. Se você não conhece, clique aqui.

Mas nesse eles foram bem além, de uma forma geral, e de novo conseguiram usar a internet (e parece que foram um dos primeiros a usar o standard HTML5) para fazer algo que ninguém ainda havia visto e que propaga em redes sociais e blogs (como esse em que você se encontra) em poucos segundos.

Clique aqui para participar também da experiência. E faça como manda o protocolo: veja no Google Chrome, feche outras janelas do seu browser, aumente o som. E antes de tudo uma ressalva: com endereços brasileiros, por não estar tudo tão bem mapeado, a experiência não é assim tão bacana. Podem aparecer umas tantas janelas pretas no meio do processo.

Aí acima um quadro do final da música da versão que eu fiz. Misturar boa edição com tecnologia e boa música é algo que realmente deve ser preservado. Que venham outros (e não pela Lady Gaga, por favor! Até porque nesse caso não seria muito "boa música").

Vale lembrar que eles acabaram de fazer algo único no canal do Youtube; um show no Madison Square Garden (ou como eu gosto de chamar, Jardim Quadrado do Filho Louco), em show transmitido ao vivo e dirigido por ninguém menos que Terry Gilliam (que é realmente bom, mas que aqui não sei se melhora muita coisa ou consegue mostrar algum estilo específico além de cortar muitas câmeras em um show). Clique aqui para ver a apresentação (de novo, é claro).

Próxima estação: Laranja Mecânica. Desembarque pelo lado direito do trem.

2010-08-19T11:22:00.004-03:00

Um blog organizou um mapa do metrô com os 250 melhores filmes do Cinema, segundo a votação organizada pelo Imdb.com no ano passado. Assim como o mapa integrado de ônibus e metrô de São Paulo, algumas vezes fica difícil entender o quê Wall.e está fazendo ao lado de Casablanca. E assim como acontece na nossa cidade, ainda faltam inaugurar umas tantas estações. Principalmente em relação ao cinema europeu, alguns Dogma-95 ou filmes sul-americanos (nosso Cidade de Deus, pelo menos, está aí, ao lado de Na Natureza Selvagem e Amores Perros). O Imdb é um site americano afinal de contas e votações dos internautas dá nisso.

Os responsáveis pelo blog já avisam: para ir de Intriga Internacional (North by Northwest) até Alien, é preciso passar por Poderoso Chefão II.

Afinal, qual a sua linha predileta? (Veja o mapa abaixo. Clique para ampliá-lo).

Caribou (e uma aula de meia fusão)

2010-08-10T10:00:00.002-03:00

Se tem um recurso de edição que é difícil de ver bem empregado, este é a meia fusão. O visual, que nasce da mistura de duas imagens, baixando a opacidade de uma delas, acabou sendo usado à exaustão nestes clipes românticos e shows de bandas bregas, muitas vezes para mostrar duas coisas que acontecem simultaneamente no palco (por exemplo, vermos o vocalista com toda a sua emoção ao mesmo tempo em que ocorre uma brilhante performance do saxofonista).

Pois bem diferente disso faz o clipe da bacana Odessa, música do multi-instrumentista Caribou (o figura da foto acima). Dirigido pelo coletivo Video Marsh, as imagens se misturam o tempo inteiro no vídeo e nascem justamente da mistura de duas ou três coisas diferentes. Raramente vemos uma imagem sem estar composta com outra e quando vemos, é por muito pouco tempo. Isso gera um ritmo bem bacana para todo o vídeo, assim como também cria movimento para imagens estáticas ou uma certa melancolia para imagens em movimento (até porque muitas delas tem movimento alterado, em slow). Vale lembrar que o artista é canadense e que a palavra caribou quer dizer alce, coisas que estão relacionadas ao tema do videoclip. Vejam o vídeo abaixo e preparem-se: ele vai tocar dia 27 de outubro em São Paulo, no Clash Club. O show também promete.

CARIBOU - Odessa from Caribou on Vimeo.

Em tempo: conheci o videoclip no tumblr do amigo Gabriel Dietrich (http://gabdietrich.tumblr.com/). Recomendo a visita!

Sobre 007 (gadgets, segredos e claro, bondgirls)

2010-08-06T17:58:00.005-03:00

"Quem é o vilão que conseguiu parar James Bond? São os problemas financeiros da MGM, dona dos direitos sobre a franquia mas que está arcada sob o peso esmagador de uma dívida de 4 bilhões de dólares". Notícia vai, notícia vem, fato é que cada vez está mais difícil para os fãs de 007 verem um novo filme, o que seria o número 23 da série. Problemas financeiros do estúdio complicam a produção do novo filme, ainda mais porque digamos que um filme do 007 não é o que poderíamos definir como sendo "baixo orçamento".

Para ajudar a baixar a espectativa, fiquemos então com o curta-metragem Secret Stash do taiwanês (!!!) Yiting Cheng. Não tem bond girls, não tem efeitos espetaculares, super vilões, Aston Martins ou Martinis ("Shaken, not stirred"). Mas tem a ver com uma das minhas partes prediletas de todos os filmes, desde criança (tirando as bondgirls): a parte dos gadgets. Uma pessoa que acompanha os filmes do detetive sempre quer saber o que mais pode ser colocado no relógio, na mala, no carro ou na caneta dele (no bom sentido, é claro) e como estas novas coisas vão salvá-lo no final do filme. Pois este curta, que não tem nada a ver com a série, dá algumas possibilidades de onde esconder coisas na sua casa, para você pelo menos se sentir mais próximo do James Bond (já que não dá para ter as bondgirls).

E se você esqueceu dos momentos marcantes da série, aqui um pequeno documentário de 10 minutos, com o genial Desmond Llewelyn, que interpreta o Q (o quê?), comentando alguns dos principais gadgets.

Ok, faltou bondgirls? Então aqui no Youtube tem uma lista com as 10 mais, ou se preferir, as 20 mais, para você. Música ruim, imagens de pouca qualidade e edição sofrível. Mas são bondgirls afinal de contas. Ah, Ursula Andress...

A Origem (e a origem) de Christopher Nolan

2010-08-04T10:00:00.004-03:00

Vá se preparando para um dos filmes do ano, que estréia nesta sexta-feira (ao menos em São Paulo). É o novo experimento de Christopher Nolan, o diretor inglês que já te deixou perturbado com Amnésia e Insônia e te divertiu um bocado com os dois últimos filmes do Batman.

O filme em questão se chama A Origem (Inception, no original) e conta com Leonardo DiCaprio (fazendo outro policial num mundo fantástico, como em A Ilha do Medo, que comentamos aqui), o casal amigo das boas comédias românticas: Ellen Page (do Juno) e Joseph Gordon-Levitt (de 500 dias com ela) e Michael Caine, um dos prediletos do diretor. E tem esse trailer animal aqui, que te deixa realmente com uma bela de uma expectativa:

E já que falamos do A Origem, de Chrisopher Nolan, me parece interessante também falar da origem de Christopher Nolan, ou melhor, de um dos primeiros filmes que o diretor fez (e que o ajudou a se lançar no mercado cinematográfico). Se chama Doodlebug (1997) e já foi lançado numa das edições de curtas europeus do bacana Cinema 16. Poderíamos interpretar como um típico exercício de escolas de cinema: foi feito em 16mm, uma única locação, um só ator, em preto-e-branco, sem diálogos. Ainda assim, o exercício ficou bem interessante e já mostra um pouco o universo em que viria a trabalhar futuramente o diretor: drama psicológico com influência de sonhos e alucinações, que nesse caso fica bastante surreal. Interessante também saber que no curta ele trabalhou como diretor, roteirista, câmera e também editor. Confiram o resultado abaixo.

Santa expectativa para o novo filme, Batman!

Walk Across America (ou: a difícil tarefa de cruzar o país para fazer um stop-motion)

2010-08-02T11:37:00.005-03:00

Uma idéia simples de realização complicada: fazer um stop motion que mostre alguém caminhando pelos principais pontos turísticos dos Estados Unidos. Resultado interessante (que parece não estar associado -pelo menos por enquanto- a nenhum produto ou campanha turística) e que está relacionado à difícil tarefa de andar belos três mil kilômetros para tirar 2.700 fotos (quase uma foto por km, se pensarmos assim).

É interessante também conferir o Behind the Scenes feito por eles, onde falam sobre o processo, mostram uns testes que fizeram antes para simular os movimentos do ator e registram os bastidores da road trip (no googlemaps dá para ver também o roteiro feito por eles).

Agora que você já viu como fica legal, e já sabe como fazer, é pegar a sua câmera e ir do Oiapoque ao Chuí registrando as maravilhas do nosso país. Se quiser, pode até passar em casa para um café quando estiver por São Paulo. Boa sorte.

thunder, THUNDER, THUNDERCATS, ooooooooooo

2010-07-27T12:55:00.007-03:00

É bastante curioso ter expectativa sobre o possível filme dos Thundercats, que tempos atrás, havia sido previsto para sair este ano. Missão difícil (para não dizer impossível) a de transformar seres cinzas e amarelados, com orelhas e dentes de tigre, suspensórios ridículos e superpoderes, em algo divertido e interessante cinematograficamente. Mas se eles já conseguiram fazer um filme do X-Men e até do Watchmen, por que não iriam conseguir com mais esse? (Logicamente, parte do suposto sucesso destes outros implica em, por exemplo, tirar as orelhas marrons, assim como trocar todo o uniforme, do Wolverine, transformando o herói em um motoqueiro com garras; coisa difícil de mudar no universo dos Thundercats).

O fato é que está previsto para 2011 uma nova série de desenhos animados com os personagens no Cartoon Network (acima uma idéia do que seria o novo conceito visual da série). E um filme para 2012, com diretores, atores e etc, ainda bastante nebulosos.

Parte dessa grande expectativa dos fãs em relação ao filme se deve justamente a pensar como seria essa passagem dos desenhos, com toda a liberdade que eles tinham, para um ação com atores reais nos moldes dos filmes de super-heróis que temos hoje. Um poster que fizeram aí pelos anos 97/98 (assim como haviam feito antes do filme para o Watchmen), tenta ajudar a imaginação, colocando atores conhecidos, como Wesley Snipes e Ed Harris, no lugar dos personagens (abaixo).

Mais interessante que este exemplo, e um bom exercício de edição, é o trailer fake que fez o tal WormyT, disponibilizado no Youtube, para o que seria o filme dos Thundercats. Segundo ele, tudo foi feito no Photoshop, alterando quadro a quadro cenas de filmes famosos e depois juntando tudo no Premiere. É um trabalho bem feito que usa apenas softwares simples (só o logo final do trailer, em 3D, foi feito por outra pessoa). E é legal que ele consegue convencer - e saciar parte de nossa curiosidade - mesmo tendo que transformar o Garfield 3D dos novos filmes, no Snarf. Confiram o resultado abaixo.

Pra quem gostou, essa é segundo ele a lista de filmes usados:
10,000BC, Masters of the Universe, Indiana Jones and the Last Crusade, Lord of The Rings: Return of the King, Farscape: The Peacekeeper Wars, Chronicles of Riddick, Pitch Black, X2:X-men United, X-men:The Last Stand, Troy, Star Trek6: The undiscovered Country, Space Hunter: Adventures in the Forbidden Zone, Stargate, Mighty Morphin Power Rangers: The Movie, Garfield, Enemy Mine, Spykids, Underworld, The Mummy, The Mummy Returns, Galaxy Quest, John Carpenter's Ghosts of Mars, Planet of the Apes, Aliens, Mortal Kombat: Annihilation, Reign of Fire, Mad Max Beyond Thunderdome.

Para relembrar o desenho original (e voltar à infância), clique aqui.

The Books (videoclips diferentes para músicas diferentes)

2010-07-23T18:01:00.005-03:00

Outro projeto musical interessante é o formado pelos americanos do The Books. As músicas deles não parecem ter uma lógica específica e alternam por diferentes gêneros, usando bases eletrônicas, violões e outros instrumentos de cordas, e milhões de ruídos, barulhinhos, falas que eles encontram por aí. Parece muitas vezes que eles usam a lógica do documentário cinematográfico dentro da música, de tantos recortes que eles fazem com qualquer tipo de som. E dentro desta lógica, não poderia faltar ótimos videoclips para ilustrar tudo isso.

No DVD intitulado Play All, eles fazem uma boa mistura de técnicas de animação e montagem e muitas vezes você fica com dúvida se é o vídeo que ilustra a música ou se é a música que nasce de uma idéia audiovisual (dá para ver alguns tantos exemplos no site da banda).

Este mês eles lançaram um novo disco, chamado The Way Out. Junto com o lançamento, publicaram o videoclip de uma das melhores músicas, chamada A Cold Freezin' Night. Essa música ilustra bem a piração musical deles e é também um bom exercício de montagem. Usando várias imagens de arquivo meio aleatórias, de gravações caseiras, há alguns bons momentos, bem como um bom ritmo. Não parece mesmo um pequeno documentário?

Outro videoclip bacana é o da música Smells Like Content, uma das melhores deles na minha opinião. O videoclip é feito manipulando textos e pouquíssimas imagens, muitas delas de fundo, o que gera um visual bem interessante. E fica no final a frase na cabeça, que certamente ajuda a curtir o trabalho deles (e para mim se relaciona com a produção audiovisual em geral): Expectation leads to disappointment. Muito melhor quando você não espera nada e é surpreendido com uma coisa diferente, bacana. Como são as músicas e os vídeos deles.

Broken Deer / Alice Cohen (ou: clip estranho para música mais estranha ainda)

2010-07-21T17:50:00.005-03:00

Joanna Newson e CocoRosie parecem já para você quase tão pops quanto Lady Gaga e Justin Bieber? Pois conheça o projeto da canadense Lindsay Dobbin, chamado Broken Deer. Assim ela descreve (em inglês) as suas influências musicais:

"Moments of transition. Merging of worlds. Discovery. Shift, inspire, lift, move, forward, backward, up and down. Mystery. Ground breaking. Breaking ground. Ground works. Afterimage of sound. An impression. An imprint, embossed. Close, faraway. Raw material. Moon material. Potatoes. Whale songs."

Coerente com a proposta e mais estranho que música de baleia é o clip para a música White Woman, feito em animação pela americana Alice Cohen (que também faz música).

Agora você já sabe que fim dar para aquela velha enciclopédia que está parada lá na casa do seu avô, tá vendo só? Jan Svankmajer ficaria orgulhoso.

Além do projeto musical, Lindsay também mantém um interessante blog, chamado The dreaming, em que apresenta de Bill Viola e Slavoj Žižek às coisas que a assustavam no cinema quando ela ainda era criança. É de lá também a foto que ilustra este post, que está no about dela. Esquisitices à parte, vale a visita.

Light Painting. De Pika Pika a Light Warfare.

2010-07-19T19:53:00.010-03:00

Um mesmo recurso. Dois exemplos diferentes. A mesma lógica corta-e-cola do post anterior. E os mesmos japoneses como fonte de inspiração.

O primeiro exemplo que vi de usar o light painting - recurso fotográfico que consiste em tirar uma foto de longa exposição e manipular luzes em frente à lente, "desenhando" no ar - para animação foi através dos japoneses Pika Pika. O coletivo, que circula em festivais de arte e de animação e já levou seu workshop pros 4 cantos do mundo, conseguiu mostrar como era legal usar a técnica; e fez todo mundo entrar na brincadeira. Abaixo, um vídeo de 2007, em que eles mostram diferentes situações. E depois, a passagem deles pelo festival Anima Mundi (que está acontecendo agora no Rio e logo vem a São Paulo) em 2008.

A idéia já foi usada para a criação dos mais diferentes vídeos, desde publicidade (como uma para um tal Ford Kuga) até pedido de casamento (um curioso vídeo, aqui). Mas um que me chamou a atenção, porque usa a idéia para fazer um vídeo divertido e faz bem feito (mesmo sendo meio curtinho) é o tal Light Warfare. Aqui tem até um making of deles. Confiram o resultado abaixo.

Viva Pitágoras -> Publicidade \_/"- Ok Go -<} Manos de Topo

2010-07-07T10:34:00.016-03:00

No melhor estilo Corta-e-cola, vemos aqui como uma idéia acaba sendo usada de outra forma, para gerar outros vídeos igualmente interessantes.

O Pythagora Switch (ou Pitagora Suitchi, no original) é um programa educativo japonês nos moldes do Rá-tim-bum (é exibido no Brasil com o nome de Viva Pitágoras - TV Cultura - ou somente Pitágoras - na TV Brasil). Assim como o nosso programa educativo, uma das coisas que fez com que ele fosse conhecido (e virasse hit do Youtube) são as longas sequências com objetos no esquema ação/reação. Nada como os japoneses para planejarem e terem uma paciência dos infernos para fazer isso ficar realmente bacana. Logicamente, eles não são os primeiros a fazer isso e nem fazem nada de um jeito mais moderno que os outros; só fazem muito bem, de forma extremamente divertida. Podia passar uma tarde vendo isso aí. Com vocês, dois exemplos.

Você deve conhecer já a propaganda do Honda Accord, feita com peças do carro (se não conhece, clique aqui). A esta altura, deve conhecer também o videoclip dos Ok Go para a música This Too Shall Pass que assim como todos os outros videoclips deles, viram hits instântaneos (se estava no Tibet no último ano, clique aqui para conhecer).

Mas um exemplo que não é tão conhecido (no Brasil, ao menos) é o videoclip da música Es Feo da banda-espanhola-com-vocal-mais-bizarro-de-todos-os-tempos chamada Manos de Topo. Acho bacana porque é uma solução bem simples e bem barata (ao contrário da megalomania do Ok Go) e que ficou extremamente eficiente. Até porque eles fazem com que as coisas que aconteçam no vídeo casem com os momentos da música e ilustrem algumas frases. Parece bacana, não? Aí abaixo para vocês.

Isso sim é um stop motion (ou: o novo vídeo do Blu)

2010-07-05T11:54:00.009-03:00

Absurdamente bom o novo vídeo do italiano Blu, intitulado Big Bang Big Boom. Se há teoria evolucionista a seguir neste mundo é esta. E está em stop motion ainda, o que deixa tudo muito mais divertido (além de mais didático). Nos quase dez minutos de vídeo, ele consegue passar por uma quantidade realmente gigante de técnicas de animação e recursos visuais. A ponto dos dez minutos parecerem muito pouco. Tudo acompanhado por ótimos efeitos sonoros. Confiram o resultado abaixo.

BIG BAG BIG BOOM - the new wall-painted animation by BLU from blu on Vimeo.

E trazendo para o nosso território, é interessante também conferir a parceria entre ele e OsGemeos feita em um prédio em Lisboa. É só o time-lapse mesmo da pintura que eles fizeram; nenhuma animação como a anterior aqui. Mas ainda assim vale bem a pena. Clique aqui para ver.

Os 100 Melhores Insultos da História do Cinema (americano)

2010-06-30T19:31:00.008-03:00

Seu chefe está pegando no seu pé? A TPM de sua mulher te cansa? Toda hora vendedores de telemarketing te ligam? Já não sabe mais do que chamar o juiz da Copa, depois dele não ver que a bola entrou claramente ou que o Tevez criou um novo conceito sobre impedimentos? Faltam adjetivos para o técnico da seleção ou para aquele meio-campista que você não conhecia até ele ir para a Copa?

Seus problemas acabaram. Trata-se unicamente de um problema linguístico. Abaixo, os 100 melhores insultos do cinema para ajudar você nesta árdua tarefa.

Mas cabem aqui alguns comentários:
1. Não são os melhores insultos da história do cinema, logicamente, e sim os melhores da história do cinema americano. Se tem uma coisa que a nossa pornochanchada soube fazer, por exemplo, é colocar palavrão no meio das frases (se bem que não sei se teríamos uma variedade tão ampla como essa ou se ficaríamos só nos "porra" e "caralho"). Filmes franceses e italianos seriam bons nesse ponto também.
2. São 100 cenas e não 100 insultos. Uma porrada delas chega a ter mais de cinco insultos (fica na verdade muito mais legal quando é assim). Se contássemos os insultos, chegaríamos fácil aí em uns quinhentos (quem quiser contar que levante a mão!).
3. Não são também 100 filmes e sim 100 cenas de insulto. Nascido para Matar do Kubrick, por exemplo, aparece três vezes. E acertadamente, já que a sequência inicial do filme poderia ser fácil a sequência mais ofensiva da história do cinema.
4. Só eu senti falta de algum Tarantino aí no meio?

Bom, para ver a lista completa de filmes que aparecem no vídeo, clique aqui. Se você tem alguma reclamação sobre o vídeo, lembrou de algum que acabou não entrando ou acha algum bobinho de mais, vá se %}&#$. Ou melhor, poste o comentário aí abaixo.

Herzog, Onde Está Wally? e Plastic Bag

2010-06-28T13:40:00.005-03:00

O diretor alemão Werner Herzog já fez de tudo. Já fez filmes cults alemães, como O Enigma de Kaspar Hauser ou Nosferatu; já gravou no Brasil seu Fitzcarraldo, com José Lewgoy, Grande Otelo e Milton Nascimento; e já até atuou como ator em um filme do Dogma-95, pro americano doidão Harmony Korine.

O que ele não fez mas alguém fez para a gente é imaginar como seria sua interpretação do clássico infantil Onde está Wally? (vídeo abaixo).

Não é a primeira vez que alguém faz uma paródia com o diretor alemão como tema (falamos de outra aqui). No canal de RyanIverson, autor do vídeo têm outras versões, mas para livros não tão conhecidos por nós.

A inspiração para a sátira pode ter vindo de Plastic Bag, do diretor Ramin Bahrani, que Werner Herzog narrou no ano passado. Filme simpático e politicamente correto (e por tanto sério) que narra a vida de uma sacola de plástico. Algo entre as pirações com sacolas de plástico do Beleza Americana e a construção dramática do Ilha das Flores do Jorge Furtado (certamente o melhor curta-metragem nacional).

Seja na tiração de sarro ou num curta politicamente correto vemos aqui dois exercícios bem interessantes relacionados ao cineasta Werner Herzog. Já que ele sempre apoiou os novos diretores, imagino que ele também não deva ver grandes problemas nessas outras adaptações de seu estilo, mesmo que seja na base da tiração de sarro. Não deixa de ser uma homenagem afinal de contas.

Jogando com perspectivas

2010-06-24T17:58:00.006-03:00

Dois vídeos que mostram jogos bem interessantes com perspectivas.

O primeiro é o videoclip de The Denial Twist, dos White Stripes, dirigido pelo Michel Gondry (sempre eles!). Como Gondry já disse milhões de vezes, para ele a mágica deve acontecer em frente da câmera; ou seja, ele manipula os elementos e compõe os efeitos muito mais durante a filmagem do que em pós-produção. Neste videoclip, ele joga com as escalas dos objetos e pessoas que estão em quadro, confundindo a perspectiva da câmera. O jogo lembra a lógica do cinema expressionista, principalmente em relação ao uso dos cenários, como no filme O Gabinete do Doutor Caligari. Em outro vídeo, vemos uma imagem do making of do videoclip, que mostra como foi montado o estúdio para alcançar estes objetivos. Confira o clipe abaixo.

Jogando também com perspectivas mas desta vez manipulando a câmera (em pós-produção), temos o vídeo experimental de Jeremy Mooney-Somers que simula uma verdadeira perspectiva reversa, como diz no título (clique aqui para saber mais). A idéia aqui é simular como seria um vídeo com a perspectiva reversa ao olho humano, ou seja, os objetos que estão mais longe ficariam maiores e diminuiriam a medida que se aproximassem da câmera. Um efeito bastante curioso que pretende só ilustrar, quase que cientificamente, um procedimento. Diferente do Gondry, que usa esses elementos para a diversão, para visuais inovadores dentro da produção de videoclips, por exemplo. Confira este outro resultado abaixo.

True Reverse Perspective from JMS on Vimeo.

Corta-e-cola agora também é @corta_cola

2010-06-22T20:18:00.006-03:00

Para expandir as discussões desse blog; para outras dicas que não viram post; para comentários gerais sobre o que acontece por aí; agora Corta-e-cola também no twitter: @corta_cola.

Dê um follow lá e faça um blogueiro feliz.

(E como lá só pode ter 140 caracteres por mensagem, faço este post também ser mais objetivo, para já entrar no laborioso exercício de não ser prolixo)

Fazendo música com filmes

2010-06-17T16:25:00.008-03:00

Já pensou em editar as falas de um filme para compor uma música? É o que faz o australiano chamado Pogo (não confundir com o estúdio brasileiro de finalização que tem o mesmo nome). Usando longas famosos como base (em gerais de animação), ele cria videoclips com melodias bem curiosas e edições bastante interessantes. O figura é esse aí abaixo.

Essa brincadeira deu certo. O canal dele do Youtube já teve mais de um milhão de exibições e ele já foi convidado a fazer versões musicais para empresas (como publicidade) e de filmes, como o recente Up - Altas aventuras.

Para começar, conheça a música que ele fez usando como base a animação de Alice no país das maravilhas, da Disney, certamente um dos seus vídeos (e músicas) mais famosos.

Um que gosto bastante é a música que ele fez usando o filme O Exterminador do Futuro 2. Não só a edição é bem bacana aqui, como diz ele que todos os sons existentes na música vieram do próprio filme.

Por último, fiquem com Gardyn, primeira música feita por ele com sons reais (que ele mesmo gravou). Um simples documentário, de como a própria mãe gosta de cuidar do jardim acabou virando um videoclip interessante, com boa manipulação de música e vídeo.

Assim ele descreve na sua página a experiência de fazer o videoclip:
"Filming and mixing my mother’s garden was a great experience. Mixing films will always be a passion of mine, but it’s certainly exciting to imagine running around the world with a camera, microphone and laptop. Now whenever I hear sounds and voices around me, my brain starts ticking!". (Para saber mais das idéias dele por trás dos vídeos, clique aqui).

Que venham outros!

Com a copa desse jeito, o melhor é apelar pro Bruno Aleixo

2010-06-14T11:22:00.012-03:00

Já que nessa Copa do Mundo:
- 2 x 0 já é goleada;
- Os melhores atacantes são os zagueiros;
- Gol contra já é golaço;
- Se alguém tiver na frente de algum bolão por aí, certamente é um cara amargo e rabugento;
- Se você tentar fugir do Galvão, cai no Luciano do Valle;
- E fugindo do Casagrande, cai no Neto (ou no Edmundo, o que é ainda pior);
- O Robinho provavelmente servirá na Copa mais para o intervalo comercial do que para fazer gols (dizem por aí que ele está em 7 de cada 10 propagandas da Copa);
- Acabamos simpatizando com a seleção argentina, seja pelo Messi, seja pelo Maradona (e corinthianos em geral simpatizam com Tevez e Mascherano). Alguns simpatizam até mais com eles do que com a nossa própria seleção;
- A publicidade, mesmo assim, acha que colocar argentinos, ora abobalhados, ora pagando mico, serve para vender melhor. Colocam eles como os "vilões" do evento. E parece assim que a Copa só conta mesmo com esses dois times (o nosso contra o deles);
- Ninguém aguenta mais ouvir falar de vuvuzelas, jabulanis e outras palavras do continente africano (coisa que os locutores e comentaristas adoram);

O jeito é apelar para o humor; melhor ainda se ele não se preocupar em fazer muito sentido.

E para isso, ninguém é melhor que o Bruno Aleixo no momento (foto acima). O português, que já até apareceu no "Fala que eu te escuto" mandando abraço à todas as torcidas (menos a do Palmeiras) tem mais comando do que qualquer mediador de mesa-redonda; seu programa tem certamente convidados mais inteligentes (como o Busto, o Nelson ou o Homem do Bussaco) que os já citados Edmundo, Neto e Casagrande; e se todo mundo diz saber quem vai ganhar tudo, que nem concorrentes ao Oscar, para depois ficar se explicando porquê não acertou a previsão, melhor fala quem não fala mesmo coisa com coisa.

Aí abaixo o episódio dedicado ao Brasil na série de programas estilo mesa-redonda que eles fizeram, dedicando cada programa para analizar uma seleção (clique aqui para entrar na página oficial deles).

Outro genial da série é o dedicado ao time da Eslovênia (ou seria Eslováquia?), em que ele fala quais são os times do campeonato paulista que ele gosta; e o que ele não gosta.

Vídeos simples, com ótimo timing para as piadas, que sabe usar bem o potencial de canais como Youtube e são todos feitos em montagem, manipulando poucos elementos. A prova de que para bom humor basta um bom roteiro e sacadas inteligentes; coisa necessária em tempos desta Copa tão pouco emocionante.

Copa do Mundo (e a transmissão da ESPN Brasil)

2010-06-11T11:00:00.000-03:00

Aproveitando que hoje começa oficialmente a Copa do Mundo, pedi para o amigo Henrique Meira, que está na África do Sul trabalhando nas transmissões para a ESPN Brasil, comentar um pouco como estava sendo o trabalho por lá. E também como era usar uma nova tecnologia para edição e transmissão dos dados (o tal "IP Director"). Aí abaixo a colaboração dele, direto de Joanesburgo:

"Segunda, 07/06 foi o primeiro dia oficial de transmissões ao vivo aqui da redação de Joanesburgo. A sensação? Adrenalina de um front... Tensão, nervosismo, mas no final, o alívio e a alegria de tudo ter dado certo.

O principal motivo da insegurança: o tal do "EVS"; e o programa "IP DIRECTOR", a alma da TV aqui na África, sistema responsável por todo gerenciamento e funcionamento da redação, programa onde tudo passa por ele. Matérias recebidas via AVID, arquivamento, gravação dos programas e o PLAYOUT, onde as matérias são organizadas e colocadas no ar.

Como na ESPN ninguém nunca tinha trabalhado com isso, a insegurança era justificável. Afinal ainda trabalhamos com a boa e velha "BETA". Arcaica, mas confiável que é uma beleza!

Mas um primeiro dia como esse é essencial para "quebrar o gelo".

Agora, com o perdão do trocadilho, é matar um leão por dia, e fazer do IP DIRECTOR um aliado desta cobertura."

Acima, foto do "Control Room" do International Broadcast Center, a base da imprensa internacional, em Joanesburgo. E o Henrique, nosso colaborador, no Switcher usado pela ESPN Brasil. Desejo sorte para a nossa seleção no Mundial; e uma boa cobertura para eles.

Para saber mais sobre o IP Director, que ele mencionou, veja abaixo o vídeo de apresentação do sistema.

Projection Mapping e Marketing do Homem de Ferro 2

2010-06-08T23:00:00.000-03:00

Se falávamos no post anterior do Homem de Ferro 2 e suas ações de marketing, uma que me pareceu interessante e gerou um bom resultado foi uma intervenção artística que aconteceu no castelo de Rochester, na Inglaterra, com o filme como tema, em cima de uma música do AC/DC, presente na trilha sonora.

Assim como no filme, nesta apresentação ao ar livre a tecnologia é também a principal protagonista. Fazendo um bom uso de criação 3D e composição com elementos gráficos, a apresentação é caracterizada também como a primeira a usar vídeo real dentro do Projection Mapping. Essa técnica consiste em mapear uma localização real (casa, edifício ou nesse caso, castelo) e usar suas diferentes características (janelas, portas, bordas, etc.) como informação para a projeção, que faz vídeo e arquitetura dialogarem.

ACDC Vs Iron Man 2 - Architectural Projection Mapping on Rochester Castle from seeper on Vimeo.

Para saber mais a respeito dessa técnica, veja abaixo o vídeo do VJ Spetto, curador da delegação brasileira na Dialectos Digitales, mostra de artes que aconteceu ano passado em La Paz, Bolívia. Segundo ele, os brasileiros ficaram um mês por lá criando diferentes intervenções urbanas e instalações, participando de workshops, etc. O vídeo é quase um tutorial a respeito. Prova também que aqui no Brasil temos muita coisa interessante neste sentido. Aproveite.

Os efeitos de "Homem de Ferro 2" (e o problema das continuações)

2010-06-07T10:36:00.000-03:00

Lançar o "Volume 2" não é um problema apenas para o She & Him, o MGMT e o Vampire Weekend neste 2010. Tentar manter o que os fizeram famosos, conseguindo inovar minimamente e tendo sacadas novas é também o problema por trás do Homem de Ferro 2, atualmente em cartaz (ao menos ainda em São Paulo). Como na música, o primeiro de qualquer série cria o conceito e apresenta algo naturalmente inovador (mesmo o herói sendo conhecido nos comics), tendo bastante liberdade para isso. O segundo já vem com uma boa dose de expectativa - auxiliada pela ação gigantesca de marketing, no caso do filme. Expectativas que não se confirma em nenhum dos casos; no do super-herói, ao optar-se pelo drama pessoal que passa o personagem em detrimento da ação, perde-se também alguma espontaneidade e ironia, que acarreta também em problemas de ritmo, ficando arrastado em muitas horas. É na verdade um filme de ligação para outros tantos filmes que a Marvel lançará nos próximos anos; escondendo alguns ícones, indica os filmes do Capitão América, Thor e Os Vingadores, além de já ter vindo na cola do segundo filme (que não é na verdade uma continuação) do Incrível Hulk.

O que sim funciona no filme (sendo relavante para este blog) é o papel da tecnologia dentro da história; visualmente mais relevante - e chamativa - nas muitas cenas que acontecem no laboratório do personagem principal (Tony Stark). Lembra tanto visualmente como narrativamente a interação homem/máquina existente no filme Minority Report, interpretado por Tom Cruise (clique aqui para rever as cenas com esses efeitos), com a diferença que agora a interface está espalhada pelo ambiente, mais tridimencional em certo sentido. E Robert Downey Jr. dialoga com ela de forma muito mais leve, menos rigída (e não estamos mais em um filme futurista, mesmo estando ainda no terreno da ficção científica). Um bom uso de elementos 3D, que dialogam perfeitamente com os personagens -a ponto de serem eles mesmos personagens- e participam de momentos importantes do filme, gerando um visual que (aqui sim) encanta e inova. Bom uso da atual tecnologia de pós-produção para representar o que seria o ápice da tecnologia, genericamente falando.

Abaixo um vídeo de uma das produtoras de efeitos, onde vemos os gráficos associados aos muitos gadgets do personagem principal. E depois, uma sequência de fotos que mostra em detalhe a cena da descoberta de uma mólecula, com as primeiras idéias da equipe de produção. (Na página da Motiongrapher, há uma extensa matéria, com vídeos que ilustram perfeitamente a produção dos efeitos - e a relação com a gravação em chroma- das cenas do laboratório. Clique aqui para ver. Recomendo fortemente).

Iron Man 2 Graphics Montage from Perception on Vimeo.

People Change no Cinesul e no Festival Locomotiva

2010-06-01T11:44:00.001-03:00

O meu curta-metragem, o People Change (falei melhor sobre ele aqui), foi selecionado para mais dois festivais nacionais.

O primeiro é o Locomotiva, interessante festival de animação que acontece na cidade de Garibaldi, no Rio Grande do Sul, entre os dias 7 e 12 deste mês (semana que vem por tanto). Ele participa da Mostra Competitiva Nacional. Será exibido dia 09, quarta-feira, às 19h00. Clique aqui para ver os outros selecionados para a mesma mostra. Abaixo a propaganda do Festival que foi colocada hoje na home pages deles.

O outro é o Cinesul, Festival Latino-americano de Cinema e Vídeo, que acontece na cidade do Rio de Janeiro entre os dias 15 e 27 deste mês. O meu curta-metragem foi selecionado dentro da mostra dedicada à arte e experimentações visuais. O Festival se extende a vários espaços da cidade e abrange muitos estilos e gêneros diferentes. Uma interessante forma de conhecer outros aspectos e formatos da produção latina. Clique aqui para ver os outros selecionados para a mesma mostra que a minha.

Quem puder, compareça aos festivais. Certamente terá muita coisa diferente e interessante por aí. Eu já estou comemorando muito esta seleção para os dois festivais, interessantes propostas do nosso país no meio audiovisual, que inclusive têm focos bem diferentes.

Quando qualidade não quer dizer qualidade (mas ainda assim pode ser útil)

2010-05-26T18:26:00.000-03:00

Esse post é para homenagear esses tempos brilhantes em que nos encontramos. Vemos surgir em canais como o Youtube uma nova anomalia tecnológica: quando a qualidade não quer dizer necessariamente qualidade. Me explico: agora, mais e mais vezes vemos aparecer por lá vídeos toscos, mal gravados, fora de foco, câmera tremida, áudio ruidoso e mal captado, só que em... HD! Wow! Com as câmeras de alta definições ficando mais baratas e relativamente mais acessíveis, agora temos imagens em HD da festa de três anos do sobrinho de um, de um show qualquer que a pessoa foi, do zoológico ou da partida de futebol. Precisamos nos acostumar com isso. Vídeos toscos mas com uma puta imagem.

Um exemplo é o vídeo abaixo, de uma pessoa qualquer do público em um show da banda americana Superchunk. Como essa foi por muitos anos uma das minhas músicas favoritas -se chama Cast Iron- coloco aqui (ah, e logicamente o áudio está bem meia-boca). Serve como ilustração de qualquer modo. O cara que postou já até avisa na descrição: "Sorry it's so out of focus!!", mas é HD, olha só!)

O lado positivo disso é que essas mesmas câmeras podem ajudar em alguns momentos e acabam mudando o que conhecemos por jornalismo, tanto na Internet como na própria televisão. O G1, portal da Globo, usou jornalisticamente muitas imagens feitas pelo público no momento dos alagamentos do Rio de Janeiro e Niterói. Acabaram ilustrando o que a TV, com toda a sua estrutura, não conseguia ilustrar. Muitos desses vídeos foram publicados no portal e alguns inclusive foram usados nos telejornais. Um responsável do portal, em entrevista pro Globonews, comentava que eles se surpreenderam com a quantidade de coisa que chegou naquele momento, de vídeos feitos pelas pessoas nas suas próprias casas, e que em geral estes tinham uma qualidade boa, podendo ser usados tranquilamente em qualquer meio. A câmera continua tremida, o áudio continua tosco. Mas aqui temos algo de conteúdo expressivo. Nada que, aí sim, uma edição profissional, selecionando os principais trechos e compondo na matéria com as próprias imagens, não consiga resolver. Abaixo um desses vídeos, feito por uma moradora de Niterói, que até coloca uma trilha, faz um wipe para cortar de um take para o outro e coloca em GC as informações do dia e local. Nesse caso, vemos que não só as imagens em HD como a edição já estão ao alcance de todos. Isso também tende a ser positivo, imagino.

Dando a cara a tapa

2010-05-26T12:44:00.000-03:00

Falar é fácil, fazer é difícil? Aí abaixo o meu Reel com um punhado de coisas que fiz para emissoras/produtoras diferentes ao longo dos anos.

Ricardo Kenski - Reel (Edição/Animação) from Ricardo Kenski on Vimeo.

Para ver alguns dos trabalhos na íntegra, aqui os links dos que estão publicadas na net (com a descrição do que fiz neles):
Edição e arte para o videoclip "Rodeados y Tan Solos".
Edição e arte para o videoclip "Sol Sin Luz".
Composição de alguns takes do videoclip "Lately".
Animação para 3 vídeos da Eletrobrás (pelo Estúdio Mol). Aqui o primeiro, o segundo e o terceiro.
Edição para o vídeo de lançamento do Youtube em português.

Que não está no Reel, mas gosto muito:
Edição e arte para o vídeo "Copans" - TCC do Galileo Giglio.
Edição para o curta-metragem "Exercício de Fotografia". Dir: Paula Kim. (Neste link está na verdade só o trailer).

Dança e montagem (em um vídeo e um longa-metragem)

2010-05-24T10:41:00.000-03:00

Como mostrar uma apresentação de dança/expressão corporal em um vídeo interessante, que ao mesmo tempo em que ilustra de forma clara os movimentos, utiliza bem os recursos da linguagem audiovisual?

O vídeo Atelic dirigido pelo tal DuckEye é uma ótima resposta a esse desafio. Idéia simples, boa coreografia da equipe de dança (a tal Rambert Dance Company) e uma ótima composição em montagem de toda a apresentação, que joga com os espaços criados pela grade em primeiro plano para criar uma apresentação completamente nova. Em um primeiro momento vemos muitos corpos e movimentos se misturarem; em um segundo, vemos dois ou mais movimentos de uma mesma pessoa em quadro. A montagem serve para ilustrar todas essas possibilidades e criar algo bastante inovador. Não só compõe o espetáculo, como dá ritmo (e as transições de uma ação para outra através do jogo com os quadrados são geniais) e cria esse visual diferente, que usa muito bem o potencial dos dois meios.

Atelic from duckeyejey on Vimeo.

O vídeo me lembra o ótimo exercício feito por Lars Von Trier e Jørgen Leth no filme Cinco condições (2003). Nesse documentário que mostra a produção de cinco adaptações de um curta famoso de Jørgen, feitos sob condições impostas por Lars, vemos ótimos usos da montagem em curta-metragens diferentes, que se apóiam na animação, na ficção e no documentário. No filme, não só o resultado dessas provocações é muito interessante, como o diálogo entre esses dois diretores e o caminho que eles percorrem para chegar à esses resultados também são. O vídeo a seguir mostra a primeira dessas adaptações, rodada em Cuba. Uma das condições de Lars obrigava o outro diretor, famoso por usar planos longos, a cortar a cada 12 quadros. A manipulação da ação que o diretor faz em montagem, compondo uma dança fragmentada é também bastante interessante.

Quando o making of é melhor que o curta-metragem

2010-05-20T10:33:00.001-03:00

Com vocês, o curta-metragem canadense Nuit Blanche do diretor Arev Manoukian, da interessante produtora Spy Films. Esta produtora é conhecida por um bom e diferenciado uso do 3D nos diferentes curta-metragens que faz, a maioria deles de ficção-científica. Um dos diretores inclusive, é o sul-africano Neill Blomkamp, famoso pela direção do filme Distrito 9 (que falamos aqui).

Em Nuit Blanche, vemos como transformar quatro pessoas gravadas em um fundo Chroma em um curta-metragem interessante, com visual extremamente trabalhado (mais um exmplo da tal "mágica" do Chroma Key, que falávamos aqui). Confiram abaixo o curta-metragem na íntegra.

Nuit Blanche from Spy Films on Vimeo.

E agora vejam como eles criaram esse visual interessante, mistura de filme de época em preto-e-branco com batidas de carro estilo Matrix e efeitos 3D próprios da linguagem publicitária (que lembra para mim o trabalho do diretor russo Timur Bekmambetov) apenas combinando e manipulando diferentes imagens que já existiam, durante o processo da pós-produção. É um desses casos que o making of acaba sendo tão ou mais bacana que o próprio curta-metragem. No melhor estilo "Mister M", muitas vezes é mais legal saber o que está por trás do truque. Divirtam-se.

Making Of Nuit Blanche from Spy Films on Vimeo.

Conheça Jonathan Hodgson! (ou: como misturar perfeitamente animação e vídeo)

2010-05-18T17:57:00.000-03:00

Um cara que se relaciona bastante com essas idéias do post anterior e que aplica isso para a publicidade e para ótimos curtas-metragens que faz desde 1981 é o inglês Jonathan Hodgson. Figura presente em muitos festivais de animação (o Anima Mundi já fez até uma retrospectiva sobre o trabalho dele) e compilações de animação inglesa (o ótimo livro Animation now! da Taschen também o cita), ele sabe como poucos misturar vídeo e animação para chegar a ótimos resultados. E não só o visual é bem interessante como ele acaba gerando sentido para essa interação entre as duas coisas, representando de forma bastante livre aspectos da imaginação, do pensamento, do subconsciente e da linguagem dos sonhos.

O curta Feeling My Way, de 1997, é para mim o melhor exemplo dessa linguagem (e certamente um dos meus curtas prediletos). Aqui ele tenta ilustrar o que passa pela cabeça de uma pessoa (consciente ou inconscientemente) durante um rápido percurso a pé, da própria casa para a casa de um amigo. Como nos exemplos anteriores, o vídeo que foi gravado não tem nenhuma graça; é o simples caminhar de alguém. Mas a animação gera um resultado bem interessante, agregando significados diferentes para as coisas do dia-a-dia. Vejam abaixo (é pena que a qualidade do vídeo não está muito boa).

Outro curta dele que gosto muito é o The Man With The Beautiful Eyes, que ele fez logo depois, em 1999, e dessa vez, inteiramente em animação. Baseado num poema do Bukowski, de 1992, ele conseguiu criar um ritmo bem interessante em uma narrativa que mistura imagens e texto e que se relaciona com o universo infantil.

Para conhecer mais sobre o Jonathan Hodgson e ver alguns curtas mais recentes, onde ele segue experimentando nessa mistura entre vídeo e animação com resultados bem interessantes, entre na página dele. Os curtas estão todos lá, na íntegra, junto com uns tantos desenhos, umas animações para publicidade e até o showreel do cara. Um ótimo passatempo, eu diria.

Montagem a posteriori com o videoclip do Kid Cuti e o promo da Diesel

2010-05-14T12:02:00.000-03:00

Alguns estudos acadêmicos de cinema falam da tal montagem a posteriori. O conceito se refere a chegar no processo de montagem com um material que dá margem à diferentes possibilidades de manipulação; mas que você ainda não conhece muito bem quais são. A montagem feita dessa maneira acaba se tornando mais visível no produto final e é em geral usada de forma mais criativa, até porque utiliza outros elementos visuais, como animações ou composições de imagem para se chegar nos resultados pretendidos.

Um bom exemplo é o videoclip Day'n'nite do rapper Kid Cuti. Se você analizar, não há muita graça no material que foi gravado: é o próprio andando numa rua, indo a uma loja de roupas ou a uma pizzaria. Mas o uso de animações no processo de edição cria situações bem interessantes: modifica todo o quadro, gera novos personagens e dá novos sentidos para algumas ações - como transformar esses pizzaiolos aí embaixo em DJs da festa.

O videoclip lembra bastante o visual do ótimo promo de uma festa da Diesel, intitulado XXX. A diferença aqui é que todo o material usado como base já existia; a graça está em gerar este outro sentido e modificar um material existente -no caso, filmes pornôs- (seguindo a lógica de que às vezes é mais legal alterar o já existente do que criar algo novo, do zero, como falamos aqui).

A televisão é uma droga!

2010-05-12T19:09:00.001-03:00

A televisão é uma droga! É o que tenta provar a americana Beth Fulton em seu rápido vídeo Television is a drug, segundo ela inspirado no poema Television de um tal Todd Alcott. Consegue usar bem a montagem para ilustrar um zapping televisivo bastante esquisofrênico, condizente afinal de contas com a lógica televisiva mundial, de tantos anúncios 1406, Datenas e Joãos Klébers. Mais legal ainda a tradução pro português, que gera um sentido a mais no "é uma droga" (ambos verdadeiros, inclusive).

Television is a drug. from Beth Fulton on Vimeo.

Dica: M(C)ontadores de histórias - Sesc Vila Mariana (SP)

2010-05-06T19:31:00.001-03:00

Pros interessados em montagem (e cinema em geral) fica aqui a dica do projeto "M(C)ontadores de histórias", organizado pelo Sesc Vila Mariana de São Paulo que acontece neste mês. Além de uma exposição, acontecerão oficinas, encontros com montadores e diretores de cinema, e exibições de alguns filmes com "montagens marcantes". No flyer abaixo, confira toda a programação do evento (clique nele para ampliar).

Para saber mais, clique aqui para ver uma matéria do site da Revista Época. E aqui para a página do Sesc.

Chroma Key e videoclips - como não fazer

2010-05-04T18:40:00.000-03:00

Você viu nos últimos posts exemplos de como usar o Chroma Key ou ter sacadas geniais para fazer bons videoclips, certo? Pois agora vos apresento um exemplo "curioso" de como NÃO fazer videoclips usando o Chroma (ou então: de como fazer o videoclip mais tosco e cheio de clichês possíveis, na esperança de que ele vire "cult" de alguma forma). Música de gosto discutível, alguns defeitos especiais, animais dançantes e um par de peitos (pergunto: não seria mais ou menos essa a fórmula de boa parte dos nossos programas de entretenimento dominical também?).

Com vocês, Джимми Джимми и джипи.

ps. Repararam na equipe de produção segurando o ventilador em quadro, bem recortado no Chroma?

Uma banda + um estúdio + uma boa sacada = um bom videoclip

2010-05-03T19:46:00.000-03:00

Uma coisa que sempre estranho são esses videoclips que querem ser curta-metragens. Talvez porque Gondry, Spike Jonze e companhia tenham chegado aos longas, agora todo estudante de cinema acha que o caminho para se chegar em Hollywood passa obrigatoriamente pelos clips. E então fazem um videoclip cheio de atores e situações dramáticas, a banda cantando no meio da ação, com figurino e maquiagem pensados como no cinema. Nada mais longe da realidade da banda, muitas vezes, e nada mais cansativo para se ver no Youtube, que é onde todo mundo vê videoclips hoje em dia (já que a MTV cada vez mais deixa o M de lado para ser só TV mesmo).

Assim como falávamos que os trailers (e chamadas televisivas em geral) são antes de tudo boas sacadas, acredito que o mesmo acontece com os videoclips. E boa parte dessas idéias bacanas tem a ver com montagem, truques de edição e composição de imagens (como no caso do próprio Gondry, por exemplo). Aí abaixo alguns exemplos de videoclips simples, gravados em estúdio, sem ser uma mega-produção, com excelentes sacadas (alguns deles já são até clássicos em videoclips!).

Primeiro a canadense Feist, com o seu maior hit 1234. Um grande estúdio, muitos dançarinos, a própria cantora, um plano-sequência com movimentos de câmera bem bacanas e um truque simples de máscaras, com excelente planejamento de toda a ação.

Segundo, os americanos Vampire Weekend, com a música A-Punk, do primeiro disco. Também um plano-sequência, dessa vez acelerado, com algumas situações no meio dele. Simples, chamativo e bem interessante.

Terceiro, os australianos Architecture in Helsinki com a sua Hold Music. Aqui vemos poucas e simples situações, manipuladas e bem ritmadas no processo de edição.

E por último, um que não tem nada de especial quanto à edição mas que também é bem bacana, tem a ver com esses outros por também ter sido gravado em um grande estúdio e tem um final bem interessante (aqui sim uma boa idéia). Outro dos Hot Chip, dessa vez para a música Boy From School. Clique aqui para vê-lo no Youtube.

Chroma, Storyboard, Movimentos de câmera e videoclips

2010-04-30T16:37:00.001-03:00

Já que falávamos de Chroma Key, eis aqui uns exemplos interessantes de uso em videoclips. Em ótimos exercícios de metalinguagem, essas três bandas usam o vídeo para testar formatos, mostrar o truque do recorte do fundo sendo feito e, sem terem muito trabalho ou gastarem muito dinheiro, chegam a um resultado bacana e extremamente divertido.

No primeiro caso, uma genial aula de movimentos de câmeras e uso do storyboard com a banda inglesa The Futureheads, para a música The Beginning of the Twist.

No segundo, outro uso parecido, dessa vez com a música Over and Over dos Hot Chip (sempre bacanas nos videoclips). A letra da música vai de presente para vocês inclusive (é a versão que me deixam colocar aqui).

E por último, o malucão Herman Düne, com I Wish That I Could See You Soon. A idéia é parecer que o videoclip está inacabado. Mas não é bem mais legal assim? (Há no Youtube uma versão com os letterings e recorte feito. Interessante para ver como contraponto à esta, mas pelo visto a oficial é mesmo essa daí abaixo).

Em tempos de MTV, Avatares e 300s, é mais legal ser criativo e usar as mesmas coisas de outra forma já que a tal da "mágica" do Chroma Key não engana mais ninguém. Não acham?

A mágica do Chroma Key (e uma idéia sobre o "A Ilha do Medo", de Scorsese)

2010-04-26T11:43:00.001-03:00

Sempre gostei de ver como muitos planos eram compostos na pós-produção, depois de serem filmados usando o Chroma Key (ou recorte do fundo azul ou verde, famoso também pelos VJs da MTV). O que antes ajudava a colocar o ator numa cena de ação, como em uma explosão, ou criava simplesmente o fundo para uma cena onde víamos um casal passear de carro, por exemplo, agora participa da filmagem de toda e qualquer cena em filmes como Avatar (2009) ou Capitão Sky e o Mundo de Amanhã (2004) -entre outros de ficção científica-; 300 (2006), Speed Racer (2008) ou Sincity (2005) -em que a idéia é se aproximar do tratamento visual da HQ ou do desenho animado-, entre muitos outros filmes.

O site CGSociety, em uma matéria, explica e ilustra de forma muito didática como foi feita a filmagem e a composição dos planos do filme A Troca (2008), de Clint Eastwood. Tendo que recriar a Los Angeles de 1928, muita coisa foi feita em pós-produção, mas segundo o site o desafio foi interessante já que a composição está em função da "emoção" e não da "explosão de dinamite". No filme eles buscaram algo intermediário entre a filmagem em locações e a de estúdio, usando o Chroma Key para dar mais profundidade e ilustrar melhor o caos que era L.A. na época, a então maior metrópole americana. Explicam que isso gerava um dinamismo melhor para as cenas, além de ficar com uma iluminação mais natural e portanto, mais verdadeira. Nos três quadros abaixo, vemos o ponto de partida e o resultado final, no filme. (No site há também um vídeo bem interessante - que não consigo colocar aqui-, que mostra rapidamente cada uma das camadas acopladas depois, na pós-produção, para outra cena).

Outro bom exemplo de possibilidades do uso do Chroma vemos no Reel da produtora americana Stargate, que trabalha muito com séries para TV. Aqui há estes exemplos de como sair de duas pessoas no fundo verde para um plano geral, com helicópteros, navios em chamas ou o que quer que você imagine.

Este final de semana vi o bom A ilha do Medo (2010), o último do Martin Scorsese. Gostei bastante do resultado e achei muito bacana como o diretor consegue misturar vários gêneros no filme: do policial ao thriller de suspense, com alguns elementos do terror, da ação ou do drama pscicológico. Mas em muitos momentos -como numa cena em que vemos Leonardo DiCaprio à beira de um penhasco; ou logo depois, conversando no carro com um dos policiais do centro psiquiátrico - me incomodei com a forma algo artificial em que a composição foi feita. Para os que viram o filme - e passado o desfeixo - pergunto: seria proposital, até porque alguns compararam elementos da construção do filme com o expressionista O Gabinete do Dr. Caligari (1920), de Robert Wiene? (Mais não falo, que é para não estragar nada para os que não viram).

Pros que viram, recomendo também a leitura de uma "sinopse mínima" feita no dia 14/03 por Zé Geraldo Couto, crítico da Folha, em que ele levanta algumas idéias interessantes relacionadas à este filme.

Como fazer - e como não fazer - um trailer de um longa-metragem

2010-04-22T16:51:00.000-03:00

Dessa vez, uma aula rápida e prática de como fazer - e de como não fazer - um trailer para um longa-metragem, que nada mais é que uma peça publicitária de um filme, usando dois exemplos atuais. Sendo uma peça publicitária, você deve instigar a vontade do espectador a ir ao cinema, dando algumas idéias do que é feito o filme, qual gênero ele pertence, qual o apelo, atores, efeitos, tramas que ele se apóia. Certo?

É o que faz muito bem Godard para promover seu novo filme, "Socialisme". Em pouco mais de um minuto ele mostra tudo isso de forma rápida, instigante, com bom uso da montagem, bons letterings, boa música, imagens de um frame dialogando com os personagens que aparecem no longa. É na verdade um teaser e não um trailer, já que só introduz o tema do filme, sem se aprofundar muito nele. Mas consegue instigar a curiosidade do espectador com poucos elementos e ótima idéia.

E é o que não faz o filme brasileiro "Segurança Nacional", dirigido por Roberto Carminati, também inédito. No trailer, de dois minutos, ele mostra tanta coisa que quase que você sente que já viu o filme todo. Mostra os atores, as tramas e sub-tramas, algumas tantas cenas de ação, os principais conflitos... Mais ou menos você já sabe como começa, como se desenvolve e como termina (já que mostra uma gigantesca explosão na selva, provavelmente aquele plot dos 1h45min que você acha que tudo vai acabar mal mas não acaba), mostra o mocinho (Thiago Lacerda), a mocinha (Viviane Victoretti) e até o esperado beijo (grande momento dos filmes de 007 pelo menos). A idéia deveria ser a de sugerir a história e não contar ela toda.

Sou da opinião que se tem uma coisa que o nosso cinema ainda não aprendeu a fazer são os trailers. Em geral ou repete a fórmula acima, contando toda a história do filme, mostrando todos os efeitos e detalhes importantes, querendo se vender como uma super-produção, ou coloca cenas aleatórias intercaladas com todos os festivais que participou e os prêmios que acumulou antes da estréia nacional. Trailer é antes de tudo uma boa sacada; que deve sugerir as principais idéias da história, sem contá-las totalmente. Assim como um curta é um curta e um longa é um longa, um trailer é um trailer. Cada uma dessas coisas tem suas características e linguagens específicas.

A montagem de "Jajá - Arara Rara"

2010-04-19T18:39:00.001-03:00

No final do ano passado tive o prazer de montar o piloto da série "Jajá - Arara Rara", para o pessoal do Mol Toons. O projeto fazia parte do "Anima TV" da TV Cultura, que tem por objetivo (segundo o site do programa):

"A ideia é estimular o desenvolvimento da indústria brasileira de animação a partir da sistematização de ações que visam à geração de projetos em diversos pontos do País, realização de ações regionais de capacitação, articulação de um circuito nacional, dinamização da produção entre estúdios, além da inserção da animação brasileira no exterior."

Ao todo, 17 projetos foram escolhidos e co-patrocinados pela emissora, que os exibiu em sua programação nos meses de janeiro e fevereiro. Todo o processo já acabou e já foram divulgados os vencedores, mas ainda haverá uma ou outra exibição das animações. "Jajá - Arara rara" (essa aí abaixo) será exibida novamente no dia 8 de maio às 13h45 e no dia 20 de junho às 12h15.

O legal de montar essa animação foi que aqui não tínhamos uma quantidade gigantesca de material para cada cena ou take (até porque o processo de animação em si é longo e trabalhoso e, por isso, extremamente calculado no início). A minha função foi mais a de dar ritmo e tempo para as piadas e ajudar em toda a estrutura, cortando uma ou outra coisa para chegar no tempo estipulado. Acontece que durante o processo de animação, alguns takes acabaram ficando maiores do que o que foi previsto durante o animatic (uma versão em vídeo do storyboard, já com marcações da câmera, que ajuda a visualizar o futuro desenho).

Este projeto mostrou que há muitas possibilidades de animação diferentes e que temos no Brasil uma mão-de-obra muito boa, além de excelentes idéias. O que falta é mesmo incentivo, apoio, estrutura, formatos de comercialização e novos canais de exibição. "Jajá - Arara Rara" não foi um dos dois projetos vencedores (a disputa foi bastante difícil) mas com certeza ainda estará um dia em uma televisão perto de você (eu, na real, torço muito por isso).

Fiquem abaixo com uma pequena amostra do que é a série. Para ver o making of de todo o Anima TV, com entrevistas com os responsáveis de cada um dos projeto (eu apareço falando um pouquinho sobre isso aí que eu falei acima, da montagem deste episódio), cliquem aqui.

E aqui, Chico Zullo, diretor do piloto, fala um pouco (em inglês) sobre o seu processo de criação usando o software "Toon Boom", de animação. Para quem quiser ter um pouco mais de informações técnicas a respeito.

Jajá Arara Rara from MOL Toons on Vimeo.

Em tempo: este blog já registrou mais de mil acessos desde que comecei a ter os dados disso, exatamente dois meses atrás. Obrigado pela preferência!

The Johnny Cash Project (videoclip colaborativo)

2010-04-15T20:40:00.000-03:00

Um formato interessante para chegar a um videoclip diferente: jogar a idéia na internet e deixar que as pessoas, cada uma colaborando do seu jeito, crie o que será o visual final do vídeo. É isso que faz o site "The Johnny Cash Project", para a música "Ain't no grave", que sairá no disco póstumo do cantor.

Em cima de uma base pré-editada do videoclip, com imagens em preto-e-branco, cada pessoa escolhe um frame (entre três sugestões dadas pelo site) e o refaz como bem quiser, usando para isso algumas ferramentas bem simples de softwares gráficos (seria mais próximo de um paintbrush que de um photoshop na verdade). Você só consegue mudar o tipo, o tamanho e a opacidade do brush, assim como a cor, em uma escala de cinza. Mas logicamente, há quem faça miséria com isso, como nos casos abaixo.

Como teste, este que vos escreve fez sua singela colaboração. E até que não ficou tão ruim; pelo menos não na visão deles, que aprovaram a minha "arte" (frame número 950). Clicando sobre qualquer um dos quadros, você pode ver quem fez e como fez, já que ele reproduz passo-a-passo - ou pincelada por pincelada - todo o processo. Em alguns casos, há mais de uma versão desenhada para o mesmo frame, o que gera uma certa competição entre os participantes.

Aí embaixo coloco o frame original que me deram (onde vocês podem ver também as ferramentas que eles disponibilizam para que você desenhe). E logo depois o meu desenho. (Não reparem não, desenhar com o mouse também não me ajudou muito).

Esse projeto usou no final uma idéia bastante inovadora em montagem; ao invés de fazer um videoclipe em animação, por que não deixar que as pessoas contribuam, interajam, participem? Usar na verdade essa gigantesca mão-de-obra que existe espalhada por aí, e que adoraria contibuir de alguma forma, para chegar a um resultado diferente?

Veja lá no site do projeto o resultado final do vídeo (ou como está até o momento, já que muda constantemente).

E se você também colaborou, poste aí embaixo nos comentários qual foi o seu frame. Seria legal saber de mais pessoas que também contribuiram. Mãos à obra!

(Dica do meu irmão Rafael Kenski, fã de Johnny Cash e expert em crowdsourcings)

Os efeitos visuais de "O Segredo Dos Seus Olhos"

2010-04-13T13:15:00.000-03:00

No post anterior, usava o filme "O Segredo Dos Seus Olhos", do diretor Juan José Campanella, vencedor do Oscar de filme estrangeiro neste ano, para comparar as cinematografias de Brasil e Argentina. Mas pouco falei do filme em questão.

A verdade é que o filme vale pelo simples fato de ser um ótimo filme e por isso, fosse ele da Argentina, do Brunei, ou do Quirguistão, mereceria de qualquer forma o prêmio da Academia. O filme tem um ótimo roteiro, diálogos muito inteligentes, atores convincentes (e mesmo tendo o Darín em todos os filmes argentinos, acho que ele sempre consegue me convencer; neste até mais que em outros), ótima fotografia, planos interessantes e, é claro, um plano-sequência de cair o queixo.

Logo nos cinco primeiros minutos do filme, mostrando diferentes possibilidades de histórias a serem contadas, o diretor joga com diferentes texturas para mostrar uma história de amor (que mais parece comercial de margarina), uma despedida em uma estação de trem (com muito movimento, uma composição de planos que parece simular um sonho) ou uma cena de estupro (câmera na mão e muito movimento). Com isso, entra na história, que vai prendendo o espectador aos poucos, até o clímax final. Filme inteligente, com bom ritmo, despretencioso, que garante bons momentos cômicos e bons momentos de suspense e perseguição, sem nunca errar a mão. Vale lembrar que Juan José Campanella não só assina a direção como também o roteiro, a produção executiva e a montagem.

E como todo bom montador gosta de fazer, aqui temos um excelente plano-sequência, que quase chamou mais atenção que o próprio filme. Com duração de mais de 5 minutos, saímos de um plano aéreo de um estádio, vamos até o personagem principal e o acompanhamos em uma frenética perseguição, com muitas mudanças de ambiente. Abaixo coloco alguns vídeos que mostram como foram feitos os principais efeitos durante a pós-produção, principalmente para fazer este plano. Um efeito elaborado, usado anteriormente no filme "O Senhor dos Anéis" e usado pela primeira vez na Argentina, segundo eles.

E vale lembrar, para completar o post anterior, que esta foi a segunda indicação de Campanella ao prêmio de melhor filme estrangeiro, já que ele já havia disputado por "O Filho da Noiva", de 2001. E foi o segundo prêmio de filme estrangeiro do Oscar conquistado pela Argentina. O primeiro foi o tal "La Historia Oficial", de 1985, dirigido por Luis Puenzo.

Veja abaixo, os interessantes making-offs do filme, nessa sequência :(há muitos mais no Youtube. Aqui coloco os que achei mais interessantes ou relevantes)
1. Programa argentino (sem legendas) que mostra parte da cena, entrevista o diretor e outros envolvidos e ilustra parte dos efeitos usado no plano-sequência.
2. Rodrigo Tomasso, supervisor de efeitos, comenta sobre os efeitos usados no plano-sequência.
3. Um vídeo mais técnico, da produtora de efeitos, que mostra os diferentes layers 3D usados na primeira parte do plano-sequência. Muito interessante e ilustra o efeito magistralmente.
4. Aqui, eles mostram como foi feito outro ponto difícil do plano sequência, que é a queda do homem que é perseguido, quando a câmera sai de um andar e passa a acompanhar o homem no outro.
5. Por último, outro vídeo da produtora de efeitos especiais onde vemos a composição em 3D do plano do trem.
Aproveitem!